Eugene Onegin

Ballet en tres actos y seis escenas. . 

Coreografía de John Cranko. Música : arreglos de la partitura de Tchaikovsky por Kurt-Heinz Stolze, incluyendo secciones de Las estaciones, Cherevichki, Romeo y Julieta y Francesca de Rimini.

Estrenada el 13 de abril de 1965 por el Stuttgart Ballet, los intérpretes principales fueron Marcia Haydée, Ray Barra, Ana Cardús y Egon Madsen. La versión definitiva es la versión revisada por el propio Cranko estrenada por el Ballet de Stuttgart el 27 de octubre de 1967, de la que fueron cortados el prólogo en el que se muestra a Onegin junto a su tío moribundo, y la escena final en la que se ve a Tatiana con sus hijos. 

John Cranko se inspiró en la novela en verso de Pushkin, un clásico de la literatura rusa, que se publicó por entregas entre 1825 y 1831, la primera edición completa fue publicada en 1833. La versión aceptada actualmente es de 1837. Y en la ópera de Tchaikovsky estrenada en 1879. 

 Acto I. 

 Escena 1. Jardín de la casa de campo de madame Larina. 

 En escena madame Larina, la nodriza, y sus hijas Olga y Tatiana. Las tres primeras preparan los vestidos  de la fiesta de cumpleaños de Tatiana, mientras madame Larina especula sobre el futuro y recuerda su juventud y belleza perdida. 

Lenski, joven poeta y prometido de Olga, llega acompañado de un amigo de San Petersburgo. Él presenta a Onegin, un joven elegante e instruído, aburrido de la ciudad que busca alguna distracción en el campo. Tatiana, una joven ingenua y llena de fantasias románticas, se enamora del hombre elegante tan diferente de la gente de campo que ella conoce. Onegin, por otro lado, solo ve en Tatiana a la inocente joven de campo que lee muchas novelas románticas. 

Escena 2. Habitación de Tatiana. 

Tatiana sueña con Onegin y le escribe una apasionada carta, donde le revela sus sentimientos, y se la da a su nodriza para que se la entregue.

Acto II.

Escena 1. Cumpleaños de Tatiana. 

La nobleza provinciana ha venido a la celebración del cumpleaños de Tatiana. Comentan sobre la relación amorosa de Lenski y Olga y susurran sobre el incipiente romance entre Onegin y Tatiana. Onegin aburrido por la compañía, le cuesta ser cortés con ellos. Además está molesto por la carta de Tatiana, que considera que es solo un arrebato adolescente. En un momento de tranquilidad, busca a Tatiana y le dice que él no la puede amar, y rompe la carta. La angustia de ella, en vez de conmoverlo le irrita más. 

Aparece el príncipe Gremin, que está enamorado de Tatiana y en quien tiene puestas sus esperanzas madame Larine, ya que es un buen partido para su hija, pero ésta no le presta demasiada atención.

Onegin en su aburrimiento decide provocar a Lensky, coqueteando con Olga, quien le sigue el juego. Pero Lenski se lo toma en serio y celoso le reta a duelo. 

Escena 2. El duelo. 

Olga y Tatiana tratan de disuadir a Lenski, pero herido en su orgullo, insiste en que el duelo tiene que celebrarse. Onegin mata a su amigo y por primera vez se siente culpable de sus actos. Tatiana abre los ojos y se da cuenta de que su amor era una ilusión y que Onegin es egoista y frívolo. 

Acto III.

Escena 1. San Petersburgo. 

Onegin después de viajar por el mundo durante varios años vuelve a San Petersburgo donde es recibido en un baile en el palacio del príncipe Gremin. Éste se ha casado recientemente con Tatiana y Onegin se sorprende al ver la mujer hermosa y sofisticada en que se ha convertido y se da cuenta del gran error que cometió y del amor que siente por ella. 

Escena 2. 

Tatiana está en un pequeño salón, leyendo una carta de Onegin donde éste le revela su amor por ella. De repente aparece, ansioso por saber su respuesta. Ella le confiesa que lo ama pero le pide que salga definitivamente de su vida. 

Nº 37, Enero 2013. 

Especial Onegin :

Críticas de Dwayne Hollyday del Ballet de Sttutgart y Mike Dixon de la Ópera Estatal de Hungría. (pp. 13 a 17).

El lenguaje físico de Cranko. Mike Dixon. (pp. 40 y 41). Analiza los tres pasos a dos de Onegin y Tatiana y el lenguaje coreográfico utilizado por Cranko. 

 "El lenguaje coreográfico utilizado es una manifestación corpórea de la lengua hablada. Y es este aspecto de la narrativa de Cranko y su habilidad para comunicar las complejas relaciones emocionales de los personajes principales, sin tener que recurrir a los medios de expresión tradicionales. Una de las técnicas con las que logró esto fue la repetición. Los motivos coreográficos son repetidos constantemente a lo largo del ballet, a veces hasta cuatro veces (...)  Cranko utiliza la repetición como medio para resaltar las imágenes que quiere que el público absorba y entienda". 

Ray Barra. Mike Dixon se reúne con el primer Onegin. (pp. 42 y 43).

Onegin y Lenski. Emma Manning. (pp. 44 a 47). Pregunta a cinco exponentes sobre sus interpretaciones del ansiado papel de Cranko : Roberto Bolle, Josua Hoffalt, Guillaume Côté, Steven Heathcote e Ivan Liska. En el caso del papel de Onegin, resaltan no solo la dificultad técnica de los pasos a dos, sino también la dificultad de interpretar la parte emocional del personaje, su compleja personalidad. Y en el de Lenski resaltan la variación del segundo acto, la variación de Lenski frente a la luna, justo antes del duelo, por su dificultad y por su belleza.

Las Sílfides (Chopiniana)

Ballet en un acto. Coreografía de M. Fokine y música de Chopin, orquestada por Glazunov. Estrenado en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo el 23 de febrero de 1907, con el nombre de Rêverie Romantique : Ballet sur le musique de Chopin o Chopiniana, junto con el ballet Eunice, basado en la obra Quo Vadis? de Sienkiewicz. Esta primera versión fue un ejercicio de taller para los alumnos de la Escuela Imperial de Ballet de San Petersburgo (actual Vaganova). 

Aproximadamente un año después, el 21 de marzo de 1908, en una gala benéfica, Fokine presentó una segunda versión de Chopiniana, con sustanciales cambios. 

Originalmente se tituló Chopiniana, porque estaba inspirado en cinco fragmentos para piano de Chopin : una polca, un nocturno, una mazurca, un vals y una tarantela. Se trataba de una serie de escenas dramáticas y de carácter. La Polonesa de apertura estaba interpretada por numerosas parejas que vestían trajes polacos, y el escenario era un salón de baile. En el siguiente fragmento, nocturno, se mostraba a Chopin al piano que intentaba componer entre las ruinas del monasterio de Valldemossa torturado por la visión de los monjes muertos, pero liberado finalmente de sus obsesiones por la musa, que le inspiraba y consolaba. Seguía la mazurca, donde se escenificaba una aburrida fiesta de bodas, interrumpida por el verdadero enamorado de la muchacha, que huía con él. A continuación tenía lugar el vals, que era un pas de deux en el que la bailarina vestía el tradicional tutú. La tarantela final creaba una animada escena napolitana en la atmósfera real del Vesubio. 

En la segunda versión, también estrenada en el Teatro Mariinsky, con intérpretes de la talla de Preobrajenska, Karsavina, Pavlova y Nijinsky, se incorporaron nuevos fragmentos musicales de Chopin orquestados por Maurice Keller. En esta versión se eliminaron algunas sutiles tramas y todas las danzas de carácter, recogiendo el espíritu de la coreografía del número basado en el Vals en Do sostenido menor. Todas el grupo de bailarinas, vestidas igual, con el largo tutú blanco, bailaban las diferentes piezas con un solo bailarín masculino (Nijinsky). 

La última versión y definitiva de Fokine se produjo en el contexto de la primera temporada en París de los Ballets Rusos de Diaghilev. El 2 de junio de 1909 se estrenó en el Châtelet rebautizado con el nombre de Las Sílfides, como homenaje a Filippo Taglioni y a su obra La Sílfide, el primero de los grandes ballets románticos. En esta versión, Benois fue el encargado de la escenografía y del vestuario, y para éste acudió a las viejas litografías de Chalon, Brandard y Bouvier, inspirándose en los trajes diseñados por Eugène Lami para Marie Taglioni en La Sílfide y para Carlotta Grisi en Giselle. Y concibió un escenario típicamente romántico, una iglesia ruinosa en un claro del bosque iluminada por la luna. Sus principales intérpretes fueron de nuevo Pavlova, Karsavina y Nijinsky, acompañados esta vez por Baldina. Las piezas fueron orquestadas por Liadov, Glazunov, Taneiev, Sokolov y Stravinsky. 

Litografía de John Brandard. Carlota Grissi como Giselle. 

Es un ballet que carece de argumento, una serie de cuadros coreográficos para un cuerpo de baile y cuatro solistas. En el que el cuerpo de baile no es un mero adorno, goza de una constante presencia a lo largo de la obra, incluso durante las pausas entre los números musicales, con silenciosos movimientos de reagrupamiento que propician la continuidad. Fue el primero que se atrevió a no ser nada mas que danza. Pero a pesar de no tener argumento, mantiene coherencia y unidad escénica a través de las románticas melodías que conducen inevitablemente hacia el baile y la exquisita coreografía.

Frente a la artificiosidad y fastuosidad de los ballets imperiales de Petipa, él creó una obra intimista, despojada de todo adorno, donde las emociones se expresan mediante el movimiento en perfecta armonía con la música. 

Mariinsky (Kirov) Ballet. Teatro Real de Madrid. 1999. Irina Jelonkina, Maya Dumchenko, Daria Pavlenko & Evgeni Ivanchenko.

Mikhail Barishnikov.

PETRUSHKA

Ballet en cuatro escenas, con coreografía de Mikhail Fokine y música de Igor Stravinsky. Fue estrenado el 13 de junio de 1911 en el Théâtre du Châtelet de París por los Ballets Russes de Diaghilev, con el subtítulo de "Escenas burlescas en cuatro cuadros", siendo sus intérpretes principales Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Aleksandre Orlov y Enrico Cecchetti. 

Inspirado en un famoso personaje del teatro de títeres ruso, lo que en el mundo latino equivale al Polichinela. Según Stravinsky "el héroe inmortal e inféliz de todas las ferias en todos los países". Imaginó primero el títere en una pieza para piano y orquesta, y Diaghilev, tras escuchar un primer borrador de la composición ejecutada al piano, le convenció para convertir esa pieza en un ballet. 
En 1947 Stravinsky hizo cambios importantes, publicó una versión revisada para orquesta reducida. Presenta cambios de tiempo, modificaciones en la instrumentación y algún otro añadido, se trata de una suite mas breve que la original.

Este ballet supuso la ruptura definitiva con la estética romántica.

Fokine integró una mezcla de mimo, danzas populares y ballet clásico creando una pieza dramática. Pantomima y danza, ilusión y realidad, poesía y frustración, se funden armónicamente. Es una obra oscura y trágica. 
Mikhail Baryshnikov escribió que el bailarín debe ser capaz de proyectar una extraordinaria variedad de sentimientos : alegría, ira, dolor, abatimiento, humillación, triunfo y todos estos sentimientos en la forma de un muñeco de paja. Un reto insuperable.

Cuadro 1: Verbena en la semana del Carnaval.  
Entre los tenderetes de la feria se junta un gran gentío, entre el que se encuentran cocheros, sirvientas, bailarines callejeros, etc... que contemplan la actuación de un viejo mago que en el punto culminante anuncia la presentación de sus títeres de tamaño natural : la bailarina, el moro y Petrushka, que cobran vida tocando su flauta. Bailan al ritmo de una danza rusa. 

Cuadro 2: Cuarto de Petrushka dentro del pequeño teatro
El viejo mago mete al títere bruscamente en el cuarto, ahí descubrimos que tiene sentimientos humanos : enfado con el mago por su encierro, amor por la bailarina, deseo de escapar de su encierro. La bailarina entra pero desesperado y frustrado, la asusta. 

Cuadro 3 : Cuarto del moro
El moro está jugando con un coco cuando recibe la visita de la bailarina, que está enamorada de él. Baila para él (danza de la bailarina - trompeta), luego bailan juntos el vals (es una vals de Josef Lanner - Vals die Schönbrunner -), Petrushka les interrumpe furioso, el moro le arroja fuera. 

Cuadro 4 : Verbena. 

Escena colorista. Serie de danzas : Danza de las niñeras, danza del campesino y el oso, danza de los gitanos, danza de los cocheros y los palafreneros, máscaras. 
Cuando la fiesta está en pleno auge se oye un grito en el teatro de títeres. Petrushka de repente cruza la escena, perseguido por el moro con su cimitarra, y la bailarina persiguiendo al moro. Luchan, cae Petrushka y el moro le mata de un golpe. 
La policia interroga al mago, éste se justifica y trata de restablecer la calma recordándoles a todos los presentes que es solo un muñeco. 
Al caer la noche, se ve al mago llevándose el cuerpo inerte de Petrushka, entonces aparece el fantasma de Petrushka en el techo del teatro de títeres, el espíritu se burla y amenaza al mago, el espíritu se desploma y si sobrevive o no queda envuelto en el misterio.

WHO CARES?

Ballet creado por George Balanchine con música de George Gershwin, 16 canciones compuestas entre 1924 - 1931, orquestación de Hershy Kay. Estrenado por el New York City Ballet el 7 de febrero de 1970, en el New York State Theater, Lincoln Center. 

El ballet a veces se realiza en "Versión Concierto" que consiste en los solos y pas de deux de los bailarines principales : The man i love, I'll build a starway to paradise, Embraceable you, Fascinatin' rhythm, Who cares?, My one and only, I got rhythm (para   todos los bailarines). 

Es un brillante homenaje a Nueva York, en especial al siempre despierto Manhattan, entre los rascacielos se propicia el romance y la diversión. 
La coreografía nos lleva a la exuberancia de la vida en la ciudad. Capturó maravillosamente el espíritu de la época del jazz, incorporando elementos de bailes como el charleston y el foxtrot de la década de los años 20 y movimientos de danza jazz. 
Es una coreografía elegante, sofisticada, variada (pas de deux románticos, solos brillantes, grupales trepidantes).

Para Balanchine en el ballet lo importante es el movimiento en sí mismo, y en sus coreografías hay una profunda interrelación entre el movimiento y la música. Su deseo era que el público disfrutara de sus obras por su belleza intrínseca.

Miami City Ballet. Edward Villella on Who cares?

New York City Ballet. "Balanchine celebration". 1993. Bailarines : Viviana Durante, Robert La Fosse, Lourdes López, Heather Watts, Jack Soto, Judith Fugate, Melinda Roy, Ronald Perry, Jeremy Collins, Elisabeth Loscano : 

Canciones :

• Strike up the band
• Sweet and low down
• Somebody loves me
• Bidin' my time
• 'S wonderful
• That certain feeling
• Do Do Do
• Lady be good
• The man i love
• I'll build a stairway to paradise
• Embraceable you
• Fascinatin' rhythm
• Who cares?
• Liza
• My one and only
• Clap you hands
• I got rhythm

MAYERLING

Ballet en tres actos. Coreografía de Kenneth MacMillan. Música de Franz Liszt,  John Lanchbery arregló y orquestó mas de 30 piezas de Liszt, entre otras - A Faust Symphony, Heroide funebre, Mephisto Vals, Mephisto polka,...- . Libreto de Gillian Freeman. Estrenada el 14 de febrero de 1978 por el Royal Ballet en el Covent Garden.

Kenneth MacMillan se interesó por la familia real de los Habsburgo y la desaparición del Imperio Austro-húngaro tras la lectura de "The Eagles die : Franz Joseph, Elisabeth and their Austria" de George Richard Marek (1974).

El ballet se concentra en la figura del Príncipe Rodolfo, es uno de los los papeles mas difíciles y exigentes del repertorio clásico masculino, físicamente, incluye siete pasos a dos con seis bailarinas diferentes y varios solos, a lo que se añade una interpretación que requiere muchos estados de ánimo muy distintos : relación de odio con su mujer, la relación edípica con su madre en la que muestra una gran fragilidad, la relación ambigua con su ex amante, el entusiasmo y la pasión con María. Su adicción a las drogas y el aturdimiento provocado por estas, las cefaleas provocadas por la sífilis,  su obsesión con la muerte - él quiere morir, pero no solo. Es realmente complicado hacer creíble a este príncipe de innumerables aristas psicológicas.

 La historia del doble suicidio del príncipe heredero y su joven amante, Maria Vetsera, en el pabellón de caza del emperador Francisco José I en Mayerling (aldea cercana a Viena) en 1889, siempre ha estado envuelta en el misterio y la intriga, y ya había sido idealizada en el cine en varias películas : Sueños de príncipe (Mayerling) de Anatole Litvak (1936), De Mayerling a Sarajevo de Max Ophüls (1940) y Mayerling de Terence Young (1968). 

  Prólogo

  Entierro en el cementerio de Heiligenkreuz antes del amanecer. 

  I Acto

Comienza con la boda imperial entre el príncipe Rodolfo, heredero del imperio austro-húngaro, y la princesa Estefanía de Bélgica, en cuya fiesta el novio no deja de flirtear con otras mujeres. Sus atenciones van dirigidas sobre todo hacia la princesa Luisa, hermana de la novia, frente al estupor del resto de los invitados. Y mas tarde con la joven baronesa María Vetsera, que ha sido introducida por su madre y la condesa Larisch (ex-amante del príncipe), la atracción es mutua, pero son interrumpidos por cuatro oficiales húngaros que buscan el apoyo del joven príncipe a su causa política separatista. La condesa Larisch regresa y ante sus reclamos sexuales él la rechaza pero en un descuido le besa y son descubiertos por el emperador, entonces aparecen los invitados y su esposa, y se va con ella.

Rodolfo visita a su madre en su habitación, mientras su mujer le espera en sus aposentos preparándose para la noche de bodas. Una vez en la habitación, Rodolfo aterroriza a Estefanía con un cráneo y un revólver, y termina forzándola. 

II Acto

Rodolfo lleva a Estefanía a una taberna de dudosa reputación para encontrarse con Mitzi Caspar, la prostituta a la que frecuenta. Pronto se va disgustada. Rodolfo se queda acompañado de su cochero, Bratfich, y de sus amigos, los conspiradores húngaros. Hay una redada policial, Mitzi y Rodolfo se esconden. Al quedarse solos trata de persuadirla de que deberían suicidarse juntos, ella lo rechaza. Rodolfo se tiene que esconder otra vez ante la entrada del primer ministro, el conde Taaffe, con el que se va aliviada, no sin antes avisarle que Rodolfo está escondido allí. 

Una vez fuera de la taberna Rodolfo se encuentra con la condesa Larisch, que le presenta de nuevo a María, en un encuentro cuidadosamente ideado. 

En la siguiente escena María está contemplando un retrato de Rodolfo cuando llega la condesa de visita a su casa, y tomando una baraja de cartas le predice que pronto sus sueños se harán realidad. María le da una carta para Rodolfo. 

Durante la celebración del cumpleaños del emperador en el palacio, donde toda la corte está reunida, incluída la Archiduquesa Sofía (madre del emperador) y una embarazada princesa Estefanía, la emperatriz Isabel le ofrece abiertamente a Francisco José un retrato de Katherina Schratt, su amante, que está a su lado y luego, mientras los fuegos artificiales, ella busca la atención de su amante, el coronel "Bay" Middleton. Todo esto lo ve Rodolfo con amargura e ira, y la condesa Larich aprovecha para burlarse de él, tentándole con la carta. Tras recibirla, la hace llamar. 

Estando Rodolfo en su habitación, aparece María y se desata la pasión y el deseo entre ellos. 

Irek Mukhamedov & Viviana Durante. 1994. 

III Acto

  

Se abre con una cacería real con todos los miembros de la corte. Al príncipe Rodolfo se le dispara el arma matando al caballero que mas cerca se encontraba de su padre el emperador Francisco José, y el emperador empieza a temer por su vida, sospecha que le quieren matar.

Rodolfo está en su apartemento, se ha inyectado morfina, recibe la visita de la condesa Larisch que trata de consolarlo. La emperatriz les descubre y enojada echa a la condesa. 

María se reúne con Rodolfo y éste le pide que muera con él y ella acepta. 

Rodolfo se junta con el conde Hoyos y el príncipe felipe en el pabellón de caza, después de beber se despiden de él y aparece María, acompañada de Bratfich. Hacen el amor apasionadamente y finalmente él le dispara a María y luego a sí mismo. Al oir los disparos sus amigos entran y descubren los cuerpos. 

Royal Ballet. Edward Watson & Mara Galeazzi. 2009.

Epílogo

El cuerpo de María es arrastrado al ataud y es enterrada antes del amanecer. El ballet acaba con la primera escena del ballet. 

  

http://www.ballet.co.uk/contexts/mayerling_music.htm - La música de Mayerling.

El joven y la muerte (Le jeune homme et la mort)

Uno de los ballets mas célebres de Roland Petit, con libreto de Jean Cocteau y música de Johann Sebastian Bach (Passacaglia en do menor, BWV 582).

Se estrenó el 25 de junio de 1946 por los Ballets de los Campos Elíseos (Les Ballets des Champs-Élysées). 

Ballet creado para Jean Babilee, primer bailarín de la compañía, quien lo bailó en el estreno junto a su mujer, Natalie Philippart. En 1966, su mujer Zizi Jeamarie lo bailó con Rudolf Nureyev. En 1975, Mijail Barishnikov lo bailó con el American Ballet Theatre y en 1985 en el inicio de la película "White Nights".

Este ballet refleja la teatralidad y la sensualidad de su propio universo. Exaltación del amor, de la pasión y de la muerte. Drama y erotismo en este pas de deux, donde ella le atrae hacia la locura y la muerte.

Argumento

El protagonista es un joven que, solitario en su modesta habitación, fuma envuelto en sus pensamientos y su soledad. De repente aparece una chica, que con paso enérgico irrumpe en la habitación. El joven intenta manifestarle su repentina pasión, pero ella lo rechaza violentamente y desdeñosamente y antes de desaparecer, le prepara una soga con un nudo que cuelga de una viga. El, al sentirse solo de nuevo, se desespera y finalmente acepta la invitación al suicidio y se ahorca. Se desvanece la habitación y se ve al joven ahorcado en un tejado de París, con la Torre Eiffel al fondo. Una joven con una máscara se acerca al cadáver y lo desciende de la horca : es la muerte que viene a llevárselo y la joven es la misma chica de la habitación. Le coloca la máscara al joven y ambos se marchan lentamente de la escena.

Rudolf Nureyev & Zizi Jeanmarie. 1966.

ESPARTACO

Ballet en tres actos. Libreto de Nikolaj Volkov, Música de Kachaturian y coreografía de Leonid Jacobson. Estrenada por el Ballet del Kirov (Mariinski) en 1956. 

En 1968, Grigirovich hizo una versión para el Bolshoi en la que hizo una reestructuración del libreto. Esta es la versión conocida en Europa occidental, que fue presentada en Londres en 1969.

La primera versión del libreto estaba extraído en parte de Plutarco y en parte de una novela homónima del siglo XIX de Raffaello Giovagnoli. Volkov adoptó la técnica del flash back, empezando con Espartaco crucificado, que recuerda los momentos mas importantes de su vida. 

Grigorovich, eliminó personajes, dejó como únicos protagonistas a Espartaco, Frigia, Craso y Egina, simplificó la escenografía (excesivamente recargada) y convenció a Kachaturian para que reelaborara su música, éste realizó un gran número de cortes y cambios importantes en la secuencia de los números musicales. Grigorovich organizó la trama en torno al tema de la rebelión, al destino heroico de Espartaco. 

I Acto

Se centra en la presentación de los cuatro protagonistas. 

El general romano Craso invade nuevos territorios y hace prisioneros. Entre ellos está el tracio Espartaco y su esposa, Frigia. Monólogo de Espartaco donde expresa su desesperación por haber perdido su libertad.  Son conducidos a Roma para ser vendidos. Son separados, mientras que él es enrolado en los gradiadores, su mujer formará parte del harén de concubinas de Craso. Monólogo de Frigia, vencida por el dolor. 

Durante una orgía en el palacio de Craso, éste exige un espectáculo. Dos gladiadores deben luchar hasta la muerte con cascos con las viseras cerradas, es decir, sin verse. Espartaco es el vencedor. Monólogo de Espartaco. Al verse obligado a matar a un compañero, su desesperación se convierte en ira y jura venganza. 

De vuelta en el cuartel de los gladiadores incita a sus compañeros a la rebelión. Hacen un juramento de lealtad y logran escapar. 

II Acto

En la vía Apia los pastores y el pueblo, animados por los seguidores de Espartaco, se unen a la sublevación y le nombran su líder. Monólogo de Espartaco. La idea del destino de Frigia le obsesiona. 

Espartaco se dirige al palacio de Craso y se reencuentra con su amada, pero la llegada de Egina con un grupo de patricios les obliga a esconderse. Monólogo de Egina. Su gran deseo es seducir y conquistar a  Craso para lograr entrar en la nobleza romana con todas las de la ley. La fiesta es interrumpida con la noticia de que Espartaco y sus seguidores tienen rodeada la casa, lo que provoca el pánico entre los invitados y huyen, incluídos Craso y Egina.

Monólogo de Espartaco. Felicidad por la victoria y esperanza de que el levantamiento tendrá éxito. 

Los hombres de Espartaco han hecho prisionero a Craso y quieren matarlo, pero Espartaco no lo permite y le reta a un combate, Craso lo acepta y es derrotado, Espartaco no le mata, le deja ir porque sabe que su deshonra es castigo suficiente. 

Bolshoi Ballet. Bessmertnova & Vladimirov. Adagio. 

III Acto

Craso, herido en su orgullo jura vengarse, animado por Egina, monólogo de Egina. Solo hay un camino, derrotar a los insurgentes, Craso convoca a sus legiones.  Egina, temerosa de que Craso no logre vencer, lo que sería su perdición, trama un plan para crear disensiones en el campamento de los sublevados y que traicionen a su líder. Mientras, en el campamento llega la noticia de que Craso está en marcha con un gran ejército, Espartaco decide luchar pero algunos de sus seguidores, asustados, le abandonan. Monólogo de Espartaco. 

Egina se infiltra entre los que han abandonado a Espartaco, acompañada de cortesanas y vino, lo que acaba debilitando a éstos y les incita a traicionar a su líder. Caen en la trampa y se los entrega a Craso. Monólogo de Craso. 

Las fuerzas de Espartaco son rodeadas por las legiones, Espartaco lucha hasta el final, los legionarios se acercan y le crucifican con sus lanzas. 

Requiem : Frigia recupera su cuerpo y llora inconsolable la pérdida de su amado, alza los brazos hacia el cielo y pide que su memoria dure para siempre...

La Dama de las Camelias

Marcelo Gomes & Diana Vishneva. ABT.

Ballet en tres actos, creado por John Neumeier con música de Frederic Chopin. Estrenado en 1978 por el Ballet de Hamburgo, del que era director y coreógrafo.

Argumento

Está basado en la novela de Alejandro Dumas hijo - "La dama de las camelias" (1848).

Armand y Marguerite se conocen en el teatro, en una representación de Manon en la que ambos se sienten fuertemente atraídos pese a la diferencia de edad y el estilo de vida que lleva cada uno. Marguerite es una mujer madura, famosa cortesana, mientras que Armand es un joven de buena familia. El no duda en declararle su amor.

Ante su sinceridad, Marguerite no puede negar que sus sentimientos son correspondidos y decide dejar de lado su vida anterior. Ambos se van a vivir al campo con la idea de que Marguerite se cure de la tisis que sufre y donde pueden vivir su amor con total tranquilidad.

En medio de esta tranquilidad aparece el padre de Armand y le pide a Marguerite que deje a su hijo, pues su reputación está mancillando la honra de la familia. La presión es tan fuerte y su amor tan puro que accede y abandona a su amado para volver a la ciudad, a su antigua vida, pero ahora con el corazón roto.

El joven queda desolado, y desconociendo la razón del abandono, actúa con despecho flirteando con otras chicas delante de Marguerite, que sufre abiertamente. Después de unas escenas de tensión en que los sentimientos salen a flor de piel, de nuevo su amor se impone y vuelven a estar juntos.

Pero su enfermedad se agrava y para que el no vea su deterioro, se encierra en su casa. Sólo reaparecerá una vez más, con ocasión de la función teatral de Manon.

Como espectadora, se siente tan identificada con el personaje femenino que acaban bailando un pas de trois en el que la pasión y la tragedia van de la mano y en el que la historia ficticia y la real terminan siendo la misma.

La separación ha desconcertado una vez mas a Armand, que no entenderá toda la verdad y los auténticos sentimientos de Marguerite, hasta que ya muerta, en la subasta de sus bienes, la criada le entregue su diario, sólo entonces sabrá cuánto sufrió por él.

La Muerte del Cisne

Ana Pavlova

Es una pieza de ballet coreografiada por Mikhail Fokine sobre la composición "El cisne" de "Carnaval de los animales" de Camille Saint-Saëns en 1866. Inspirada por un poema de Alfred Tennyson - "The Dying swan". En 1905, la famosa primaballerina Anna Pavlova fue invitada a participar en una gran función benéfica y pidió a su amigo Mikhail Fokine que le aconsejara una pieza musical para bailar. Trabajó con él en este número de danza que ilustra los últimos momentos de un cisne herido. La pieza de apenas pocos minutos de duración se convirtió en número favorito de grandes estrellas de la danza clásica : Maya Plitseskaya, Natalia Makarova, Alicia Markova, Margot Fonteyn, etc...

Michel Descombey, bailarín y coreógrafo francés, siendo director del Ballet Teatro del Espacio (compañía contemporánea mexicana) en 1982 montó para Tonio Torres "Muerte de un cisne". Representa la fragilidad del "ser" reflejada en un ave, la fuerza y belleza del cisne que va mostrando su debilidad mientras muere.

Vaslav Nijinski

Bailarín y coreógrafo ruso de origen polaco, nacido en Kiev en 1889. En 1898 comenzó sus estudios de danza en la Escuela Imperial de San Petersburgo, donde se graduó en 1907. Aquel año entró a formar parte de la compañía de ballet del Teatro Mariyinsky. Consiguió rápidamente un gran éxito, convirtiéndose en la pareja de bailarinas de la talla de Karsavina, Preobrajenska y Kschessinka.

Pronto de encontró con Diaghilev, quien le convirtió en la estrella de los Ballets Russes, durante sus temporadas en París. Llegó a ser un ídolo, tanto por su interpretación de los clásicos como por su actuación en obras de Fokine como Le Pavillon d' Armide, Las Sílfides, Cleopatra, El espectro de la rosa, Petrushka y Dafnis y Cloe.

En 1911 fue expulsado del Ballet Mariinsky al considerarse indecente la indumentaria que lució para interpretar Giselle. Diaghiliev convirtió Les Ballets Russes en una compañía estable, con Nijinski a la cabeza, que empezó a representar coreografías como L'Après midi d'un Faune (1912) y Jeux (1913), con música de Debussy, y La Consagración de la primavera (1913), con música de Stravinsky. Todas estas obras no fueron bien comprendidas en su momento porque rompían radicalmente con la tradición, pero actualmente se considera que fueron el origen de muchas de las coreografías de vanguardia que se crearon años después.

Durante una gira por Ámerica del Sur, se casó con la bailarina húngara Romola Pulszky, hecho que significó su ruptura con Diaghiliev y que marcó el principio de su decadencia. Intentó crear su propia compañía en 1914, pero fracasó. Al estallar la I Guerra Mundial se encontraba en Hungría, donde fue encarcelado por su nacionalidad. En 1916 Diaghilev logró sacarlo del país para llevarlo de gira a EE.UU. Comenzó a presentar claros signos de demencia. Instalado en Suiza, su mente sufría cada vez más alteraciones y comenzó entonces su largo peregrinaje por los hospitales mentales. En 1947 su familia y el se instaló en Londres, donde murió en 1950.

Como bailarín tenía una técnica excepcional y un instinto dramático innato. Y como coreógrafo, demostró ser un pionero de la danza moderna.

Erik Bruhn

Nació en Copenhague en 1928.

Se formó en la Escuela Real Danesa, entró en 1937. Se unió a la empresa en 1947 y fue promovido a solista en 1949. Para enriquecer su repertorio se unió al American Ballet Theatre,donde bailó regularmente durante 9 años, aunque su empresa en origen siguió siendo el Royal Danish Ballet. En 1956 se incorporó definitivamente al American Ballet Theatre.

Frecuentemente descrito como un bailarín noble ideal, trabajó obsesivamente para lograr una técnica impecable, la ligereza del salto, destacó por sus interpretaciones de los clásicos romáticos : La Sílfide, Giselle, El lago de los cisnes.

A los 32 años estaba en la cima de su carrera, sin embargo se sentía estancado. En ese momento apareció Nureyev, un joven bailarín soviético de 23 años, quien tras desertar el 17 de junio de 1961 había dicho que de todos los bailarines del mundo solo Bruhn tenía algo que enseñarle. Era todo ambición y tenía un gran carisma. Tuvieron una relación intensa y turbulenta.

En 1967 fué nombrado director del Swedish Opera Ballet, hasta 1972.

Se asoció al Ballet Nacional de Canadá, primero como asistente de dirección y luego como Director desde 1983 hasta su muerte en 1986.

Pulcinella

Ballet en un acto. Con coreografía de Leonid Massine, música de Giovanni Battista Pergolese, arreglos de Igor Stravinsky y libreto de Diaghilev y de Massine.

Es el primero de los ballets neoclásicos de Stravinsky que fue puesto en escena en la Ópera de París el 15 de mayo de 1920, interpretado por los Ballets Rusos de Diaghilev.

Pulcinella marca el definitivo "viraje neoclásico" de Stravinsky, la recuperación del pasado musical a través de reelaboraciones del material de otros autores y de formas y estilos tradicionales. El trabajo de Stravinsky sobre material de Pergolesi (y de otros autores) fue una auténtica reinvención de la música en cuestión, renovando los caracteres tímbricos e introduciendo instrumentos modernos.

El argumento está extraído de un manuscrito fechado en 1700, que fue encontrado por Diaghilev en Nápoles y que contenía diferentes narraciones sobre el tradicional personaje de Pulcinella, originario de los populares teatros de títeres italianos y difundido después por toda Europa.

El buen humor y la alegría son las características principales de esta obra, de cuya coreografía Massine llevó la revisión completa en el año 1971, para la Scala de Milán. Además coreógrafos como Fyodor Lopokov, Kurt Jooss, George Balanchine y Jerome Robbins han realizado distintas versiones del ballet, que ha llegado a convertirse en un clásico. En 1990, el Scapino Ballet de Rotterdam puso en escena una interesante versión, con coreografía de Nils Christe, cuya ambientación está claramente inspirada en las escenas de la vida popular veneciana que aparece en algunas de las pinturas italianas del siglo XVIII.

ARGUMENTO

La historia comienza con la aparición en una plazoleta de dos galantes caballeros, Coviello y Florindo, que cortejan con escaso éxito a Rosetta, hija del Dottore, y Prudenza, hija de Tartaglia. Las muchachas se ríen abiertamente de sus dos galanes.
Llega Pulcinella a la plaza, y empieza a ejecutar una apasionada serenata acompañada por el sonido estridente de un violín y una danza desenfrenada. Salen Prudenza y Rosetta de su casa, ambas están enamoradas de Pulcinella, pero éste es el prometido de Pimpinella, la cual ha visto la actuación de sus dos rivales y se enfada con su prometido. A su vez, los dos galanes atacan a Pulcinella y le dejan en el suelo. Las tres muchachas le socorren y le consuelan.
Los dos caballeros vuelven a aparecer, envueltos en largas capas, y con una estocada dejan desfallecido a Pulcinella, que se finge muerto y deja que sus agresores huyan. Aparecen cuatro pequeños pulcinelli; éstos transportan a otro Pulcinella desvanecido, lo dejan en el suelo y lloran desconsoladamente.
Llega el Dottore quien sentencia que Pulcinella está muerto. En este instante aparece el Mago que, con un gesto autoritario, ordena al presunto cadáver que se levante. Éste es en realidad Furbo, amigo de Pulcinella, y se pone de pie en medio de la algarabía general. A su vez el Mago, que es el verdadero Pulcinella disfrazado, se une a la fiesta.
Ignorando todo lo ocurrido, Florindo y Coviello llegan a la plaza vestidos como Pulcinella, con la intención de conquistar a Prudenza y Rosetta. Al intercambio general de papeles se une también Furbo, que pretende cortejar a Pimpinella. Es interrumpido por un furioso Pulcinella.
Furbo se pone las ropas del Mago y se prepara para celebrar las bodas de las parejas.

La única versión que he encontrado es la del Scapino Ballet de Rotterdam.

Manon

Ballet en tres actos. Creado por Kenneth MacMillan y estrenado en 1974 por el Royal Ballet de Londres. La música es de Jules Massenet, orquestada y adaptada por Leighton Lucas.

Es una adaptación de la novela "L'Histoire du Chevalier des Grieux et de Manon Lescaut" del escritor francés Abbe Prévost, escritor del siglo XVIII. 

También inspiró las óperas de Massenet y Pucini. 

ACTO I

En una posada cerca de París donde se encuentran caballeros y prostitutas, se encuentra Des Grieux que está leyendo un libro de teología cuando llega el coche de Manon, la hermana de Lescaut, supuestamente en dirección a un convento. Pero éste ve que su belleza encierra una fuente de ingresos e intenta sonsacar algún comprador de sus favores. Mientras, Manon y Des Grieux quedan solos y él le declara su amor. Ella accede a fugarse con él en el próximo carruaje que salga, pero Lescaut tiene otros planes para su hermana.
En un espacio íntimo gobernado por una gran cama que simboliza el amor consumado de los dos jóvenes, Des Grieux se dispone a escribir una carta a su padre en la que le pide dinero. La pareja muy enamorada, necesita una manera de mantenerse. En el momento en que él sale a depositar la carta, entra Lescaut con Monsieur G.M., que trae unos brillantes y un abrigo de pieles como regalo persuasivo. Al final accede a irse con ellos.

ACTO II

Empieza en un burdel lleno de chicas y clientes, donde están Des Grieux y Lescaut. Llega Manon, altiva, del brazo de Monsieur G.M. y Des Grieux baila un solo en el que recuerda cuando le pidió que se fugaran. El hermano de Manon, para facilitarles una salida, prepara una partida entre Des Grieux y Monsieur G.M. con unos ases trucados, pero el viejo los descubre y la partida termina con un duelo de espadas y Monsieur G.M. herido. Manon y Des Grieux tienen que huir.
Al encontrarse solos, se dan cuenta que el gusto por el lujo que ha probado Manon es un obstáculo (Pas de deux de la pulsera). Justo cuando logran reconciliarse, llega Monsieur G.M. acompañado por Lescaut, a la fuerza, y por la policia, que arresta a Manon por prostitución, por lo que es deportada a Nueva Orleans. Lescaut muere asesinado por Monsieur G.M.

ACTO III

En el puerto donde desembarcan las prostitutas, deshechas después de nueve semanas de viaje, en cuanto baja acompañada por su fiel Des Grieux, el carcelero escoge a Manon para llevarla a su cuartel, donde la fuerza. Des Grieux consigue entrar y le mata, teniendo que huir nuevamente por los pantanos de Lousiana.
En el camino, Manon enferma y finalmente muere en los brazos de Des Grieux, mientras ve pasar su vida por delante.

Carmen

Carmen es un personaje creado por la pluma de Prósper Mérimée en 1845.

El tema de Carmen no fue adaptado plenamente al ballet hasta 1949, cuando Roland Petit decidió crear una coreografía inspirándose en la ópera de Bizet, usando para ello arreglos musicales de la misma obra. Su coreografía tenía un estilo muy homogéneo, en el que se unía el realismo y el clasicismo, con mucho humor y con grandes dosis de erotismo.

La obra se estrenó en el Prince's theatre de Londres el 21 de febrero de 1949, y los intérpretes principales fueron Zizi Jeanmaire en el papel de Carmen y el mismo Roland Petit en el papel de Don José. En esa época fue considerada una obra muy moderna, se puede decir de vanguardia.
Roland Petit condensó la ópera de Bizet en un ballet que consta de cinco escenas.

1ª Escena - "La place" - se desarrolla en la plaza de un pueblo de andalucía, donde un grupo de muchachos espera la salida de las cigarreras. También están presentes en la escena dos bandidos y su bella acompañante, que circulan por la plaza para tratar de robar a los paseantes incautos. Las cigarreras bajan la escalera y bailan con los muchachos. Carmen y Don José aparecen en escena: ambos se encuentran por primera vez. El protagonista se enamora locamente de Carmen, que permite que los bandidos le roben su dinero. Don José la busca, pero ella huye.

2ª Escena - "La Taverne Lilas Pastia" - El humillado Don José sigue a Carmen hasta la taberna. En la escena todos bailan, primero con las sillas y luego por parejas. Don José irrumpe en la taberna e inicia un solo, al compás de la famosísima habanera. Seguidamente aparece Carmen, con un abanico y recubierta de paillettes, que baila bajo la mirada subyugada de todos los presentes. Ambos protagonistas bailan juntos. Al final, él se la lleva consigo mientras el resto de los asistentes prosiguen su alegre danza. La pareja aparece de nuevo en escena, interpretando un pequeño baile con aires de flamenco. Después, Don José se lleva nuevamente a Carmen.

3ª Escena - "La Chambre" - tiene lugar en el dormitorio de Carmen, donde se desarrolla la escena de amor. Primero, Carmen baila una insinuante danza. Luego se inicia el pas de deux con un romántico, sensual y apasionado adagio. Finalmente entran los bandidos. Carmen quiere irse con ellos, y convence a José de que los siga.

4ª Escena - "La Grange" - La noche ha caído, los bandidos quieren que Don José mate a un hombre que se acerca para robarle. Él duda, pero Carmen le convence de ello. Todos se esconden y José se queda solo, con un gran cuchillo y bailando como si estuviera agonizando. Su pasión por Carmen le lleva hasta el asesinato. Los bandidos le roban al muerto y huyen. Carmen decide irse con ellos, abandonando a José, que enloquece de desesperación.

5ª Escena - "La Corrida" - Tiene lugar en el exterior de una plaza de toros. La corrida está a punto de comenzar, hombres y mujeres van vestidos para asistir a la fiesta. Aparece el torero, al verle Carmen se enamora de él. Cuando aparece Don José, todos entran en la plaza, menos los dos protagonistas. Entonces inician una danza violenta, donde se ponen de relieve los celos y el rencor. Ella le rechaza. Don José saca el cuchillo, pero ella no huye, lo desprecia. Finalmente corre hacia él, que le clava el cuchillo. Carmen muere.

La Leyenda del Amor

Ballet en tres actos. Coreografía de Yuri Grigorovich, música de Arif Melinkov, escenografía de Simon virsaladze. Basado en un libreto muy significativo del poeta y dramaturgo turco Nazym Hikmet, que estaba inspirado en antiguas miniaturas persas y extraído de un anterior escrito literario suyo.
El ballet se estrenó el 23 de marzo de 1961 en el Teatro Kirov.

En 1965 llegó al Bolshoi con una visión revisada efectuada por Grigorovich, en la cual quedaba mucho más destacado el valor de la temática principal del ballet, o sea el heroísmo del protagonista, Farkhad, que renuncia a su felicidad por el bienestar de su pueblo.

I ACTO

Los hechos se desarrollan en el palacio de la reina Mekhmene-Banu. Su hermana Shirine se halla muy enferma. Los guardianes acompañan a un extranjero que dice estar seguro de poder curarla. A cambio, le pide a la reina que renuncie a su belleza, ésta acepta y el extranjero cura a Shirine, la cual, al mirar a su hermana, no la reconoce a causa de su rostro desfigurado.
En el jardín de palacio un grupo de artistas, entre los que se encuentra Farkhad, están trabajando en la pintura de un arco cuando, al final de una larga procesión, aparecen la reina, con la cara tapada, y su joven hermana. Ambas se sienten atraídas por la belleza de Farkhad y reducen su paso, pero el visir ordena que siga la marcha. shirine se queda sola con Farkhad, ambos se sienten atraídos, bailan un pas de deux, ella se aleja y él permanece en el jardín.

II ACTO

El pueblo, reunido en torno a un manatial cuyo curso se ha secado, lamenta la falta de agua; debería perforarse una montaña a través de la cual el agua podría llegar al valle, pero el esfuerzo es muy superior a toda posibilidad humana.
En el palacio real la reina se atormenta por su pasión por Farkhad, comprende que a causa de su rostro desfigurado nunca podrá ser correspondida. En el aposento de Shirine, Farkhad y ella bailan juntos apasionadamente. Shirine se fuga con él. La reina ordena capturar a los amantes, los guardias alcanzan a la pareja. La princesa suplica a la reina que no le separe del hombre que ama, pero la reina solo le deja una posibilidad: si Farkhad acepta abrir un curso de agua en la montaña podrá casarse con Shirine.

III ACTO

 En la montaña y de noche, solo y exhausto, Farkhad imagina que puede llevar a cabo su misión. Mirando el agua que va deslizándose, cree ver en ella a su amada.
De vuelta a su aposento la reina sueña que es correspondida por Farkhad, su hermana la interrumpe para pedirla que vayan a la montaña a buscarle.
El pueblo está pendiente de si lo consigue. Llegan la reina y Shirine, la felicidad de la pareja dura poco, la reina acepta que Shirine se quede a condición de que él abandone. Pero Farkhad comprende que no puede traicionar las esperanzas que el pueblo ha puesto en él. También Shirine lo comprende, y los dos amantes bailan un pas de deux : es el adiós para siempre.

Maria Bilova (Mekhmene-Banu). 1991. Bolshoi Ballet

Ballet del Bolshoi. Irek Mukhamedov (Farkhad) & Alla Mikhalchenko (Shirine). 1991.