Marco Spada o la hija del bandido

La Ópera-cómica Marco Spada con libreto de Scribe y música de Daniel-François-Sprit Auber estrenada en diciembre de 1852 se adaptó y transformó en un ballet largo. La coreografía corrió a cargo de Joseph Mazilier. La música no fue una adaptación de la ópera, sino mas bien el resultado de la unión de varias obras de Auber : Le Concert à la cour, Fiorella, La Fiancée, Fra diavolo, Le Lac des fées, L' Ambassadrice, Les Diamants de la couronne, La Barcarolle, Zerline an L'Enfant prodigue. 
El ballet se estrenó en la Académie royale de danse et musique (actual Ópera de París) el 21 de septiembre de 1857. 

En 1981 Pierre Lacotte hizo una reconstrucción del ballet para Rudolf Nureyev que se estrenó en la Ópera de Roma el 15 de marzo. En 1982 fue grabado con Nureyev, Ghislaine Thesmar y Michäel Denard en los papeles protagonistas. 

El 8 de noviembre de 2013 el Ballet del Bolshoi estrena una nueva versión hecha también por Pierre Lacotte.

Ballet en tres actos :

I ACTO

Escena 1. Tiene lugar durante la celebración de una boda. 
Los campesinos se quejan al Gobernador de Roma de las fechorías de un tal Marco Spada. A pesar de que nunca lo han visto, los rumores sobre los robos que ha llevado a cabo en el distrito son tema de conversación entre ellos. 
Un regimiento de dragones entra en la aldea. El capitán de los dragones, que está enamorado de la hija del gobernador, la marquesa Sampietri, pero ésta es la prometida del Conde Federici... Aprovechando la situación Marco Spada, de incógnito, vacía los bolsillos de los espectadores. Consternación general. La lluvia dispersa a la multitud. La única persona que queda en la plaza es Fray Borromeo, a quien Marco Spada ha cogido todas las limosnas que había recolectado. 

Escena 2. La guarida de Marco Spada.
Angela, la hija de Marco Spada, que no sabe nada de las actividades clandestinas de su padre. 
El gobernador, su hija y capitán que se han perdido en la montaña se refugian sin saberlo en la guarida de Marco Spada. Los cómplices del bandido rápidamente entran y salen de la habitación. El capitán, que ha sido testigo de esto, avisa a Marco Spada de que su casa ha sido invadida por bandidos. Los dragones toman posiciones. La trampilla del suelo se abre y los cuadros que cuelgan de las paredes cambian de posición... y ante los atónitos ojos de los visitantes aparece una mesa y jóvenes mujeres seductoras. 

II ACTO

El gobernador invita a Marco y su hija a un baile. Angela es cortejada por el conde Federici. Aparece Fray Borromeo y se queja de que le han robado. Dice que va a reconocer al ladrón. Marco Spada decide que es el momento de desaparecer pero antes de hacerlo es señalado por Fray Borromeo. Angela, sollozando, dice al conde que no puede ser su novia. Federici anuncia inmediatamente su compromiso con la marquesa. 

III ACTO

Escena 1
El capitán decide declararle su amor por última vez a la marquesa. Ésta, que ya ha tomado una decisión, se reúne con él vestida de novia. Aparecen los bandidos y les secuestran. 

Escena 2
Rodeado de sus compinches, Marco Spada, ante los ojos atónitos de su hija, aparece con las ropas de bandido. 
Fray Borromeo contra su voluntad es obligado a casar a la marquesa y al capitán. Se escucha al regimiento acercarse, los bandidos deciden refugiarse en la cueva, atacando al gobernador y Federici que se han cruzado en el camino, Angela interviene y les salva la vida. Se escuchan disparos muy cerca, Marco Spada es herido mortalmente. Aparece, tambaleándose. Antes de morir confiesa que Angela no es su hija. Esta mentira la salva del arresto y deja vía libre para su boda con Federici. 

Vídeos de los ensayos del Bolshoi :

Evgenia Obraztsova, David Hallberg & Artem Ovrachenko.

La viuda alegre

Libreto de Leo Stein y Víctor Léon que decidió adaptar como opereta la obra teatral de Henri Meilhac "L'Attaché d'Ambassade" escrita en 1861, que había obtenido un gran éxito, y le pidió a Franz Lehar, director de la orquesta del Theater an der Wien, que escribiera la partitura. Se estrenó el 30 de diciembre de 1905, con Lehar dirigiendo la orquesta. 

Robert Helpmann , codirector del Australian Ballet junto con Peggy van Praagh, llegó a un acuerdo con los herederos de Lehár para crear un ballet con la música de la opereta. Él escribió el libreto y propuso a Ronald Hynd que hiciera la coreografía y a John Lachbery la adaptación musical. Fue el primer ballet original, en tres actos, de esta compañía. 

Fue estrenada el 29 de noviembre de 1975 y obtuvo un gran éxito. Los papeles principales fueron interpretados por Marilyn Rowe, John Meeham, Lucette Aldous y Kevin Coe. 

En 1976 Margot Fonteyn se unió como estrella invitada al Ballet de Australia para hacer la gira por Estados Unidos e hizo el debut en el papel estelar de La viuda alegre, que iba perfectamente con su estilo.

A pesar del éxito, incomprensiblemente desapareció del repertorio de la compañía. Tuvieron que pasar doce años desde su estreno hasta que el Ballet Nacional de Canadá lo incluyera en su repertorio, gracias al empeño de Erik Bruhn, director artístico del mismo, que convenció a los responsables del Ballet de Australia de compartir esta obra. 

Ballet en tres actos. 

Acto I. 

Escena 1. Embajada de Pontevedro en París. 

Algunos suboficiales y el agregado francés, Camille, están acabando los preparativos para un baile. El secretario del embajador, Njegus, entra con un montón de facturas y todos se lamentan de la bancarrota en que está el país. El embajador, el barón Zeta, y su joven esposa francesa, Valencienne, aparecen con un telegrama que anuncia la asistencia al baile de la rica viuda Hanna, quien si se casa con un extranjero, su país, Pontevedro, perderá todos los beneficios de su fortuna y se arruinará definitivamente. El primer secretario de la embajada, el conde Danilo, es considerado un buen pretendiente. 

Camille y Valencienne se quedan solos. Ambos están enamorados. Son interrumpidos por Njegus y al entrar Danilo bastante bebido se van. El conde es informado de los planes de boda. El barón regresa y ordena a Njegus que se asegure de que Danilo estará sobrio para el baile. 

Escena 2. El baile en la embajada. 

Hanna llega y es presentada a Danilo. Ambos se quedan asombrados, ya que diez años antes, cuando ella era solo una campesina, se habían enamorado, pero Danilo puso fin al romance ante la insistencia de sus aristocráticos padres. El está impresionado por la transformación de ella. Hanna le desprecia y se une a los otros invitados. 

Acto II.

Tiene lugar en el jardín de la villa de Hanna, donde se celebra una fiesta con danzas populares. Mientras todos cenan, el barón, Danilo y Njegus se reunen para discutir sobre los progresos de la relación del conde con Hanna. Valencienne y Camille entran a hurtadillas en el jardín y dan rienda suelta a su pasión. Desaparecen en la oscuridad, observados por Njegus. Danilo y el barón se acercan. Hanna salva la situación sacando a Valencienne por la puerta lateral y quedándose en su lugar. El barón abre la puerta y ordena salir a los culpables. Camille sale con Hanna, que anuncia su boda. Los atónitos invitados les felicitan y se van. Danilo es el último en partir, pero antes de hacerlo arroja un pañuelo rojo que ella le había dado como muestra de su unión. 

Acto III.

Se desarrolla en Chez Maxim. Se reúnen todos, Camille aparece esperando encontrarse con Valencienne, pero ésta enfadada le rechaza. Danilo, se enfrenta a Camille. Hanna aparece y acepta el brazo de Camille, Danilo quiere retarle a duelo y Hanna y Valencienne intervienen para evitarlo. El embajador se da cuenta del amor que siente su esposa por Camille y acepta lo inevitable. Se marchan todos y Hanna se queda sola. Danilo regresa y, tras abrazarse, bailan un apasionado vals, dando rienda suelta al amor y felicidad que sienten. Ante lo que el embajador y su secretario respiran aliviados. 

Ballet Nacional de Canadá. Karen Kain (Hanna) & John  Meehan (Conde Danilo). 1987.

Jose Manuel Carreño & Sara Nieto.

Eugene Onegin

Ballet en tres actos y seis escenas. . 

Coreografía de John Cranko. Música : arreglos de la partitura de Tchaikovsky por Kurt-Heinz Stolze, incluyendo secciones de Las estaciones, Cherevichki, Romeo y Julieta y Francesca de Rimini.

Estrenada el 13 de abril de 1965 por el Stuttgart Ballet, los intérpretes principales fueron Marcia Haydée, Ray Barra, Ana Cardús y Egon Madsen. La versión definitiva es la versión revisada por el propio Cranko estrenada por el Ballet de Stuttgart el 27 de octubre de 1967, de la que fueron cortados el prólogo en el que se muestra a Onegin junto a su tío moribundo, y la escena final en la que se ve a Tatiana con sus hijos. 

John Cranko se inspiró en la novela en verso de Pushkin, un clásico de la literatura rusa, que se publicó por entregas entre 1825 y 1831, la primera edición completa fue publicada en 1833. La versión aceptada actualmente es de 1837. Y en la ópera de Tchaikovsky estrenada en 1879. 

 Acto I. 

 Escena 1. Jardín de la casa de campo de madame Larina. 

 En escena madame Larina, la nodriza, y sus hijas Olga y Tatiana. Las tres primeras preparan los vestidos  de la fiesta de cumpleaños de Tatiana, mientras madame Larina especula sobre el futuro y recuerda su juventud y belleza perdida. 

Lenski, joven poeta y prometido de Olga, llega acompañado de un amigo de San Petersburgo. Él presenta a Onegin, un joven elegante e instruído, aburrido de la ciudad que busca alguna distracción en el campo. Tatiana, una joven ingenua y llena de fantasias románticas, se enamora del hombre elegante tan diferente de la gente de campo que ella conoce. Onegin, por otro lado, solo ve en Tatiana a la inocente joven de campo que lee muchas novelas románticas. 

Escena 2. Habitación de Tatiana. 

Tatiana sueña con Onegin y le escribe una apasionada carta, donde le revela sus sentimientos, y se la da a su nodriza para que se la entregue.

Acto II.

Escena 1. Cumpleaños de Tatiana. 

La nobleza provinciana ha venido a la celebración del cumpleaños de Tatiana. Comentan sobre la relación amorosa de Lenski y Olga y susurran sobre el incipiente romance entre Onegin y Tatiana. Onegin aburrido por la compañía, le cuesta ser cortés con ellos. Además está molesto por la carta de Tatiana, que considera que es solo un arrebato adolescente. En un momento de tranquilidad, busca a Tatiana y le dice que él no la puede amar, y rompe la carta. La angustia de ella, en vez de conmoverlo le irrita más. 

Aparece el príncipe Gremin, que está enamorado de Tatiana y en quien tiene puestas sus esperanzas madame Larine, ya que es un buen partido para su hija, pero ésta no le presta demasiada atención.

Onegin en su aburrimiento decide provocar a Lensky, coqueteando con Olga, quien le sigue el juego. Pero Lenski se lo toma en serio y celoso le reta a duelo. 

Escena 2. El duelo. 

Olga y Tatiana tratan de disuadir a Lenski, pero herido en su orgullo, insiste en que el duelo tiene que celebrarse. Onegin mata a su amigo y por primera vez se siente culpable de sus actos. Tatiana abre los ojos y se da cuenta de que su amor era una ilusión y que Onegin es egoista y frívolo. 

Acto III.

Escena 1. San Petersburgo. 

Onegin después de viajar por el mundo durante varios años vuelve a San Petersburgo donde es recibido en un baile en el palacio del príncipe Gremin. Éste se ha casado recientemente con Tatiana y Onegin se sorprende al ver la mujer hermosa y sofisticada en que se ha convertido y se da cuenta del gran error que cometió y del amor que siente por ella. 

Escena 2. 

Tatiana está en un pequeño salón, leyendo una carta de Onegin donde éste le revela su amor por ella. De repente aparece, ansioso por saber su respuesta. Ella le confiesa que lo ama pero le pide que salga definitivamente de su vida. 

Nº 37, Enero 2013. 

Especial Onegin :

Críticas de Dwayne Hollyday del Ballet de Sttutgart y Mike Dixon de la Ópera Estatal de Hungría. (pp. 13 a 17).

El lenguaje físico de Cranko. Mike Dixon. (pp. 40 y 41). Analiza los tres pasos a dos de Onegin y Tatiana y el lenguaje coreográfico utilizado por Cranko. 

 "El lenguaje coreográfico utilizado es una manifestación corpórea de la lengua hablada. Y es este aspecto de la narrativa de Cranko y su habilidad para comunicar las complejas relaciones emocionales de los personajes principales, sin tener que recurrir a los medios de expresión tradicionales. Una de las técnicas con las que logró esto fue la repetición. Los motivos coreográficos son repetidos constantemente a lo largo del ballet, a veces hasta cuatro veces (...)  Cranko utiliza la repetición como medio para resaltar las imágenes que quiere que el público absorba y entienda". 

Ray Barra. Mike Dixon se reúne con el primer Onegin. (pp. 42 y 43).

Onegin y Lenski. Emma Manning. (pp. 44 a 47). Pregunta a cinco exponentes sobre sus interpretaciones del ansiado papel de Cranko : Roberto Bolle, Josua Hoffalt, Guillaume Côté, Steven Heathcote e Ivan Liska. En el caso del papel de Onegin, resaltan no solo la dificultad técnica de los pasos a dos, sino también la dificultad de interpretar la parte emocional del personaje, su compleja personalidad. Y en el de Lenski resaltan la variación del segundo acto, la variación de Lenski frente a la luna, justo antes del duelo, por su dificultad y por su belleza.

PETRUSHKA

Ballet en cuatro escenas, con coreografía de Mikhail Fokine y música de Igor Stravinsky. Fue estrenado el 13 de junio de 1911 en el Théâtre du Châtelet de París por los Ballets Russes de Diaghilev, con el subtítulo de "Escenas burlescas en cuatro cuadros", siendo sus intérpretes principales Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Aleksandre Orlov y Enrico Cecchetti. 

Inspirado en un famoso personaje del teatro de títeres ruso, lo que en el mundo latino equivale al Polichinela. Según Stravinsky "el héroe inmortal e inféliz de todas las ferias en todos los países". Imaginó primero el títere en una pieza para piano y orquesta, y Diaghilev, tras escuchar un primer borrador de la composición ejecutada al piano, le convenció para convertir esa pieza en un ballet. 
En 1947 Stravinsky hizo cambios importantes, publicó una versión revisada para orquesta reducida. Presenta cambios de tiempo, modificaciones en la instrumentación y algún otro añadido, se trata de una suite mas breve que la original.

Este ballet supuso la ruptura definitiva con la estética romántica.

Fokine integró una mezcla de mimo, danzas populares y ballet clásico creando una pieza dramática. Pantomima y danza, ilusión y realidad, poesía y frustración, se funden armónicamente. Es una obra oscura y trágica. 
Mikhail Baryshnikov escribió que el bailarín debe ser capaz de proyectar una extraordinaria variedad de sentimientos : alegría, ira, dolor, abatimiento, humillación, triunfo y todos estos sentimientos en la forma de un muñeco de paja. Un reto insuperable.

Cuadro 1: Verbena en la semana del Carnaval.  
Entre los tenderetes de la feria se junta un gran gentío, entre el que se encuentran cocheros, sirvientas, bailarines callejeros, etc... que contemplan la actuación de un viejo mago que en el punto culminante anuncia la presentación de sus títeres de tamaño natural : la bailarina, el moro y Petrushka, que cobran vida tocando su flauta. Bailan al ritmo de una danza rusa. 

Cuadro 2: Cuarto de Petrushka dentro del pequeño teatro
El viejo mago mete al títere bruscamente en el cuarto, ahí descubrimos que tiene sentimientos humanos : enfado con el mago por su encierro, amor por la bailarina, deseo de escapar de su encierro. La bailarina entra pero desesperado y frustrado, la asusta. 

Cuadro 3 : Cuarto del moro
El moro está jugando con un coco cuando recibe la visita de la bailarina, que está enamorada de él. Baila para él (danza de la bailarina - trompeta), luego bailan juntos el vals (es una vals de Josef Lanner - Vals die Schönbrunner -), Petrushka les interrumpe furioso, el moro le arroja fuera. 

Cuadro 4 : Verbena. 

Escena colorista. Serie de danzas : Danza de las niñeras, danza del campesino y el oso, danza de los gitanos, danza de los cocheros y los palafreneros, máscaras. 
Cuando la fiesta está en pleno auge se oye un grito en el teatro de títeres. Petrushka de repente cruza la escena, perseguido por el moro con su cimitarra, y la bailarina persiguiendo al moro. Luchan, cae Petrushka y el moro le mata de un golpe. 
La policia interroga al mago, éste se justifica y trata de restablecer la calma recordándoles a todos los presentes que es solo un muñeco. 
Al caer la noche, se ve al mago llevándose el cuerpo inerte de Petrushka, entonces aparece el fantasma de Petrushka en el techo del teatro de títeres, el espíritu se burla y amenaza al mago, el espíritu se desploma y si sobrevive o no queda envuelto en el misterio.

MAYERLING

Ballet en tres actos. Coreografía de Kenneth MacMillan. Música de Franz Liszt,  John Lanchbery arregló y orquestó mas de 30 piezas de Liszt, entre otras - A Faust Symphony, Heroide funebre, Mephisto Vals, Mephisto polka,...- . Libreto de Gillian Freeman. Estrenada el 14 de febrero de 1978 por el Royal Ballet en el Covent Garden.

Kenneth MacMillan se interesó por la familia real de los Habsburgo y la desaparición del Imperio Austro-húngaro tras la lectura de "The Eagles die : Franz Joseph, Elisabeth and their Austria" de George Richard Marek (1974).

El ballet se concentra en la figura del Príncipe Rodolfo, es uno de los los papeles mas difíciles y exigentes del repertorio clásico masculino, físicamente, incluye siete pasos a dos con seis bailarinas diferentes y varios solos, a lo que se añade una interpretación que requiere muchos estados de ánimo muy distintos : relación de odio con su mujer, la relación edípica con su madre en la que muestra una gran fragilidad, la relación ambigua con su ex amante, el entusiasmo y la pasión con María. Su adicción a las drogas y el aturdimiento provocado por estas, las cefaleas provocadas por la sífilis,  su obsesión con la muerte - él quiere morir, pero no solo. Es realmente complicado hacer creíble a este príncipe de innumerables aristas psicológicas.

 La historia del doble suicidio del príncipe heredero y su joven amante, Maria Vetsera, en el pabellón de caza del emperador Francisco José I en Mayerling (aldea cercana a Viena) en 1889, siempre ha estado envuelta en el misterio y la intriga, y ya había sido idealizada en el cine en varias películas : Sueños de príncipe (Mayerling) de Anatole Litvak (1936), De Mayerling a Sarajevo de Max Ophüls (1940) y Mayerling de Terence Young (1968). 

  Prólogo

  Entierro en el cementerio de Heiligenkreuz antes del amanecer. 

  I Acto

Comienza con la boda imperial entre el príncipe Rodolfo, heredero del imperio austro-húngaro, y la princesa Estefanía de Bélgica, en cuya fiesta el novio no deja de flirtear con otras mujeres. Sus atenciones van dirigidas sobre todo hacia la princesa Luisa, hermana de la novia, frente al estupor del resto de los invitados. Y mas tarde con la joven baronesa María Vetsera, que ha sido introducida por su madre y la condesa Larisch (ex-amante del príncipe), la atracción es mutua, pero son interrumpidos por cuatro oficiales húngaros que buscan el apoyo del joven príncipe a su causa política separatista. La condesa Larisch regresa y ante sus reclamos sexuales él la rechaza pero en un descuido le besa y son descubiertos por el emperador, entonces aparecen los invitados y su esposa, y se va con ella.

Rodolfo visita a su madre en su habitación, mientras su mujer le espera en sus aposentos preparándose para la noche de bodas. Una vez en la habitación, Rodolfo aterroriza a Estefanía con un cráneo y un revólver, y termina forzándola. 

II Acto

Rodolfo lleva a Estefanía a una taberna de dudosa reputación para encontrarse con Mitzi Caspar, la prostituta a la que frecuenta. Pronto se va disgustada. Rodolfo se queda acompañado de su cochero, Bratfich, y de sus amigos, los conspiradores húngaros. Hay una redada policial, Mitzi y Rodolfo se esconden. Al quedarse solos trata de persuadirla de que deberían suicidarse juntos, ella lo rechaza. Rodolfo se tiene que esconder otra vez ante la entrada del primer ministro, el conde Taaffe, con el que se va aliviada, no sin antes avisarle que Rodolfo está escondido allí. 

Una vez fuera de la taberna Rodolfo se encuentra con la condesa Larisch, que le presenta de nuevo a María, en un encuentro cuidadosamente ideado. 

En la siguiente escena María está contemplando un retrato de Rodolfo cuando llega la condesa de visita a su casa, y tomando una baraja de cartas le predice que pronto sus sueños se harán realidad. María le da una carta para Rodolfo. 

Durante la celebración del cumpleaños del emperador en el palacio, donde toda la corte está reunida, incluída la Archiduquesa Sofía (madre del emperador) y una embarazada princesa Estefanía, la emperatriz Isabel le ofrece abiertamente a Francisco José un retrato de Katherina Schratt, su amante, que está a su lado y luego, mientras los fuegos artificiales, ella busca la atención de su amante, el coronel "Bay" Middleton. Todo esto lo ve Rodolfo con amargura e ira, y la condesa Larich aprovecha para burlarse de él, tentándole con la carta. Tras recibirla, la hace llamar. 

Estando Rodolfo en su habitación, aparece María y se desata la pasión y el deseo entre ellos. 

Irek Mukhamedov & Viviana Durante. 1994. 

III Acto

  

Se abre con una cacería real con todos los miembros de la corte. Al príncipe Rodolfo se le dispara el arma matando al caballero que mas cerca se encontraba de su padre el emperador Francisco José, y el emperador empieza a temer por su vida, sospecha que le quieren matar.

Rodolfo está en su apartemento, se ha inyectado morfina, recibe la visita de la condesa Larisch que trata de consolarlo. La emperatriz les descubre y enojada echa a la condesa. 

María se reúne con Rodolfo y éste le pide que muera con él y ella acepta. 

Rodolfo se junta con el conde Hoyos y el príncipe felipe en el pabellón de caza, después de beber se despiden de él y aparece María, acompañada de Bratfich. Hacen el amor apasionadamente y finalmente él le dispara a María y luego a sí mismo. Al oir los disparos sus amigos entran y descubren los cuerpos. 

Royal Ballet. Edward Watson & Mara Galeazzi. 2009.

Epílogo

El cuerpo de María es arrastrado al ataud y es enterrada antes del amanecer. El ballet acaba con la primera escena del ballet. 

  

http://www.ballet.co.uk/contexts/mayerling_music.htm - La música de Mayerling.

El Pájaro de Fuego

  Ballet en un acto y dos cuadros. Coreografía y libreto de Mikhail Fokine, Música de Igor Stravinsky.

 Se estrenó el 25 de junio de 1910 en el Teatro de la Ópera de París por los Ballets Rusos de Diaghilev, con Fokine y Karsavina como pareja protagonista. Escenografía de Alexandre Golovine, Vestuario de Leon Bakst.

  El libreto es un compendio de varios cuentos, leyendas populares rusos - El zarevich Iván y el lobo gris, Kaschéi el Inmortal y El pájaro de fuego. 

Argumento

Cuadro I. Crepúsculo en el jardín encantado del mago Kastchey. 

  El joven príncipe Ivan Tsarevich que, mientras está cazando, descubre al Pájaro de fuego que atraído por unas manzanas de oro, va de árbol en árbol. El joven le persigue. Salta el muro del jardin y se esconde tras un árbol mientras le espía, tras varios intentos consigue cazarle. El pájaro lucha y se resiste y finalmente consigue que Ivan le deje libre tras entregarle una pluma. Con ella, podrá invocar la ayuda del pájaro de fuego en el momento que lo necesite. 
   Al amanecer, se encuentra ante un enorme castillo, del cual salen trece hermosas princesas a jugar con las manzanas de oro. Por estas se entera de que está en los dominios del mago Karschey, que las tiene cautivas bajo un encantamiento. Los caballeros que han tratado de rescatarlas han sido convertidos en estatuas de piedra. Baile de las princesas (Khorodov).

  Ivan, pese a las advertencias, las sigue y se acerca al castillo. Tras romper la verja, entra en el reino del mago. De repente criados, esclavos y monstruos irrumpen en le jardín. Cuando llega Kastchey quiere convertirlo en estatua de piedra, pero en ese momento éste saca la pluma e invoca al pájaro de fuego. Este aparece y arrastra al mago y sus secuaces a una diabólica danza hasta que caen exhaustos. Entonces le señala a Iván la arqueta donde el mago guarda el gran huevo blanco que contiene sus poderes e inmortalidad. Ivan abre la caja de metal y levanta entre sus manos el huevo, justo antes de romperlo contra el suelo y así conseguir la muerte del brujo. 

Cuadro II.

  Con la muerte del mago terminan todos los maleficios y los sirvientes y seguidores que se encontraban en el castillo bajo su control son liberados de las invisibles cadenas que les ataban. A la celebración del desenlace final también se unen las princesas, y ahora Ivan Tsarevich y la bella Tsarevna pueden unirse en matrimonio. 

Stravinsky y El Pájaro de fuego.

  Para la música se pensó en principio en Antón Liadov, alumno de Rimsky-Korsakov (1844-1908), pero declinó la oferta. Entonces Diaghilev acudió a Stravinsky, también alumno de Rimsky-Korsakov, al que conocía, el virtuosismo instrumental puesto de manifiesto en sus obras Scherzo fantástico y Fuegos de artificio le habían llevado ya a solicitar su colaboración en la orquestación del Nocturno en La bemol mayor y del Vals brillante en Mi bemol mayor de Chopin para Las Sílfides. 

  El ballet consta de 19 números a partir de los cuales el autor elaboró tres suites orquestales, en 1911, 1919 y 1945. Estas suites se ejecutan con mucha mas frecuencia que la partitura completa del ballet. Quizá es la última obra de Stravinsky que todavía de puede ubicar en el Romanticismo tardío. 

   Según el propio compositor se perciben los modelos de Rimsky-Korsakov en la armonía y en su tratamiento de la orquesta; y de Tchaikovsky, estilísticamente. 

   La secuencia sinfónica del ballet se abre con la descripción del jardín fantástico, un pasaje lleno de misterio al que sigue la danza del Pájaro de Fuego, de notable audacia rítmica. El segundo bloque comprende la Ronda de las Princesas, una encantadora danza popular con dos temas muy melódicos. La Danza Infernal es el movimiento de mayor efecto y destaca la originalidad de los rítmos y timbres. Cuando la danza ha alcanzado su clímax, cesa el estruendo para dar paso a una canción de cuna (entonada por el fagot) que representa el momento en que el Pájaro de fuego adormece a los monstruosos súbditos de Kastchei.
  Poco a poco, la escena se transforma. Desaparece el jardín mágico y los cautivos recobran la libertad. Un expresivo solo de la trompa anuncia el amanecer, que se despliega con parsimonia sobre una orquesta resplandeciente. Al final, la alegría es general y el poderoso clímax sonoro refleja la felicidad de Ivan y la hermosa princesa. (Gonzalo Badenes. "Programa de mano". Rivera Editores). 

  

 Vienna Philarmonic. Director : Valery Gergiev. Salzburg Festival 2000. 

  Si en el siglo XIX de la alianza Tchaikovsky-Petipa- Ballet Imperial de Moscú nacieron ballets tan famosos como El lago de los cisnes, El Cascanueces y la Bella Durmiente, a principios del siglo XX, de la alianza Stravinsky-Fokine-Ballets Rusos de Diaghilev, surgieron nuevos ballets como El Pájaro de fuego, Petrushka (1911) y La Consagración de la primavera (1913), espectáculos atrevidos e innovadores que todavía hoy forman parte del repertorio clásico y con los que se reinventó el género. 

El joven y la muerte (Le jeune homme et la mort)

Uno de los ballets mas célebres de Roland Petit, con libreto de Jean Cocteau y música de Johann Sebastian Bach (Passacaglia en do menor, BWV 582).

Se estrenó el 25 de junio de 1946 por los Ballets de los Campos Elíseos (Les Ballets des Champs-Élysées). 

Ballet creado para Jean Babilee, primer bailarín de la compañía, quien lo bailó en el estreno junto a su mujer, Natalie Philippart. En 1966, su mujer Zizi Jeamarie lo bailó con Rudolf Nureyev. En 1975, Mijail Barishnikov lo bailó con el American Ballet Theatre y en 1985 en el inicio de la película "White Nights".

Este ballet refleja la teatralidad y la sensualidad de su propio universo. Exaltación del amor, de la pasión y de la muerte. Drama y erotismo en este pas de deux, donde ella le atrae hacia la locura y la muerte.

Argumento

El protagonista es un joven que, solitario en su modesta habitación, fuma envuelto en sus pensamientos y su soledad. De repente aparece una chica, que con paso enérgico irrumpe en la habitación. El joven intenta manifestarle su repentina pasión, pero ella lo rechaza violentamente y desdeñosamente y antes de desaparecer, le prepara una soga con un nudo que cuelga de una viga. El, al sentirse solo de nuevo, se desespera y finalmente acepta la invitación al suicidio y se ahorca. Se desvanece la habitación y se ve al joven ahorcado en un tejado de París, con la Torre Eiffel al fondo. Una joven con una máscara se acerca al cadáver y lo desciende de la horca : es la muerte que viene a llevárselo y la joven es la misma chica de la habitación. Le coloca la máscara al joven y ambos se marchan lentamente de la escena.

Rudolf Nureyev & Zizi Jeanmarie. 1966.

ESPARTACO

Ballet en tres actos. Libreto de Nikolaj Volkov, Música de Kachaturian y coreografía de Leonid Jacobson. Estrenada por el Ballet del Kirov (Mariinski) en 1956. 

En 1968, Grigirovich hizo una versión para el Bolshoi en la que hizo una reestructuración del libreto. Esta es la versión conocida en Europa occidental, que fue presentada en Londres en 1969.

La primera versión del libreto estaba extraído en parte de Plutarco y en parte de una novela homónima del siglo XIX de Raffaello Giovagnoli. Volkov adoptó la técnica del flash back, empezando con Espartaco crucificado, que recuerda los momentos mas importantes de su vida. 

Grigorovich, eliminó personajes, dejó como únicos protagonistas a Espartaco, Frigia, Craso y Egina, simplificó la escenografía (excesivamente recargada) y convenció a Kachaturian para que reelaborara su música, éste realizó un gran número de cortes y cambios importantes en la secuencia de los números musicales. Grigorovich organizó la trama en torno al tema de la rebelión, al destino heroico de Espartaco. 

I Acto

Se centra en la presentación de los cuatro protagonistas. 

El general romano Craso invade nuevos territorios y hace prisioneros. Entre ellos está el tracio Espartaco y su esposa, Frigia. Monólogo de Espartaco donde expresa su desesperación por haber perdido su libertad.  Son conducidos a Roma para ser vendidos. Son separados, mientras que él es enrolado en los gradiadores, su mujer formará parte del harén de concubinas de Craso. Monólogo de Frigia, vencida por el dolor. 

Durante una orgía en el palacio de Craso, éste exige un espectáculo. Dos gladiadores deben luchar hasta la muerte con cascos con las viseras cerradas, es decir, sin verse. Espartaco es el vencedor. Monólogo de Espartaco. Al verse obligado a matar a un compañero, su desesperación se convierte en ira y jura venganza. 

De vuelta en el cuartel de los gladiadores incita a sus compañeros a la rebelión. Hacen un juramento de lealtad y logran escapar. 

II Acto

En la vía Apia los pastores y el pueblo, animados por los seguidores de Espartaco, se unen a la sublevación y le nombran su líder. Monólogo de Espartaco. La idea del destino de Frigia le obsesiona. 

Espartaco se dirige al palacio de Craso y se reencuentra con su amada, pero la llegada de Egina con un grupo de patricios les obliga a esconderse. Monólogo de Egina. Su gran deseo es seducir y conquistar a  Craso para lograr entrar en la nobleza romana con todas las de la ley. La fiesta es interrumpida con la noticia de que Espartaco y sus seguidores tienen rodeada la casa, lo que provoca el pánico entre los invitados y huyen, incluídos Craso y Egina.

Monólogo de Espartaco. Felicidad por la victoria y esperanza de que el levantamiento tendrá éxito. 

Los hombres de Espartaco han hecho prisionero a Craso y quieren matarlo, pero Espartaco no lo permite y le reta a un combate, Craso lo acepta y es derrotado, Espartaco no le mata, le deja ir porque sabe que su deshonra es castigo suficiente. 

Bolshoi Ballet. Bessmertnova & Vladimirov. Adagio. 

III Acto

Craso, herido en su orgullo jura vengarse, animado por Egina, monólogo de Egina. Solo hay un camino, derrotar a los insurgentes, Craso convoca a sus legiones.  Egina, temerosa de que Craso no logre vencer, lo que sería su perdición, trama un plan para crear disensiones en el campamento de los sublevados y que traicionen a su líder. Mientras, en el campamento llega la noticia de que Craso está en marcha con un gran ejército, Espartaco decide luchar pero algunos de sus seguidores, asustados, le abandonan. Monólogo de Espartaco. 

Egina se infiltra entre los que han abandonado a Espartaco, acompañada de cortesanas y vino, lo que acaba debilitando a éstos y les incita a traicionar a su líder. Caen en la trampa y se los entrega a Craso. Monólogo de Craso. 

Las fuerzas de Espartaco son rodeadas por las legiones, Espartaco lucha hasta el final, los legionarios se acercan y le crucifican con sus lanzas. 

Requiem : Frigia recupera su cuerpo y llora inconsolable la pérdida de su amado, alza los brazos hacia el cielo y pide que su memoria dure para siempre...

La Dama de las Camelias

Marcelo Gomes & Diana Vishneva. ABT.

Ballet en tres actos, creado por John Neumeier con música de Frederic Chopin. Estrenado en 1978 por el Ballet de Hamburgo, del que era director y coreógrafo.

Argumento

Está basado en la novela de Alejandro Dumas hijo - "La dama de las camelias" (1848).

Armand y Marguerite se conocen en el teatro, en una representación de Manon en la que ambos se sienten fuertemente atraídos pese a la diferencia de edad y el estilo de vida que lleva cada uno. Marguerite es una mujer madura, famosa cortesana, mientras que Armand es un joven de buena familia. El no duda en declararle su amor.

Ante su sinceridad, Marguerite no puede negar que sus sentimientos son correspondidos y decide dejar de lado su vida anterior. Ambos se van a vivir al campo con la idea de que Marguerite se cure de la tisis que sufre y donde pueden vivir su amor con total tranquilidad.

En medio de esta tranquilidad aparece el padre de Armand y le pide a Marguerite que deje a su hijo, pues su reputación está mancillando la honra de la familia. La presión es tan fuerte y su amor tan puro que accede y abandona a su amado para volver a la ciudad, a su antigua vida, pero ahora con el corazón roto.

El joven queda desolado, y desconociendo la razón del abandono, actúa con despecho flirteando con otras chicas delante de Marguerite, que sufre abiertamente. Después de unas escenas de tensión en que los sentimientos salen a flor de piel, de nuevo su amor se impone y vuelven a estar juntos.

Pero su enfermedad se agrava y para que el no vea su deterioro, se encierra en su casa. Sólo reaparecerá una vez más, con ocasión de la función teatral de Manon.

Como espectadora, se siente tan identificada con el personaje femenino que acaban bailando un pas de trois en el que la pasión y la tragedia van de la mano y en el que la historia ficticia y la real terminan siendo la misma.

La separación ha desconcertado una vez mas a Armand, que no entenderá toda la verdad y los auténticos sentimientos de Marguerite, hasta que ya muerta, en la subasta de sus bienes, la criada le entregue su diario, sólo entonces sabrá cuánto sufrió por él.

Pulcinella

Ballet en un acto. Con coreografía de Leonid Massine, música de Giovanni Battista Pergolese, arreglos de Igor Stravinsky y libreto de Diaghilev y de Massine.

Es el primero de los ballets neoclásicos de Stravinsky que fue puesto en escena en la Ópera de París el 15 de mayo de 1920, interpretado por los Ballets Rusos de Diaghilev.

Pulcinella marca el definitivo "viraje neoclásico" de Stravinsky, la recuperación del pasado musical a través de reelaboraciones del material de otros autores y de formas y estilos tradicionales. El trabajo de Stravinsky sobre material de Pergolesi (y de otros autores) fue una auténtica reinvención de la música en cuestión, renovando los caracteres tímbricos e introduciendo instrumentos modernos.

El argumento está extraído de un manuscrito fechado en 1700, que fue encontrado por Diaghilev en Nápoles y que contenía diferentes narraciones sobre el tradicional personaje de Pulcinella, originario de los populares teatros de títeres italianos y difundido después por toda Europa.

El buen humor y la alegría son las características principales de esta obra, de cuya coreografía Massine llevó la revisión completa en el año 1971, para la Scala de Milán. Además coreógrafos como Fyodor Lopokov, Kurt Jooss, George Balanchine y Jerome Robbins han realizado distintas versiones del ballet, que ha llegado a convertirse en un clásico. En 1990, el Scapino Ballet de Rotterdam puso en escena una interesante versión, con coreografía de Nils Christe, cuya ambientación está claramente inspirada en las escenas de la vida popular veneciana que aparece en algunas de las pinturas italianas del siglo XVIII.

ARGUMENTO

La historia comienza con la aparición en una plazoleta de dos galantes caballeros, Coviello y Florindo, que cortejan con escaso éxito a Rosetta, hija del Dottore, y Prudenza, hija de Tartaglia. Las muchachas se ríen abiertamente de sus dos galanes.
Llega Pulcinella a la plaza, y empieza a ejecutar una apasionada serenata acompañada por el sonido estridente de un violín y una danza desenfrenada. Salen Prudenza y Rosetta de su casa, ambas están enamoradas de Pulcinella, pero éste es el prometido de Pimpinella, la cual ha visto la actuación de sus dos rivales y se enfada con su prometido. A su vez, los dos galanes atacan a Pulcinella y le dejan en el suelo. Las tres muchachas le socorren y le consuelan.
Los dos caballeros vuelven a aparecer, envueltos en largas capas, y con una estocada dejan desfallecido a Pulcinella, que se finge muerto y deja que sus agresores huyan. Aparecen cuatro pequeños pulcinelli; éstos transportan a otro Pulcinella desvanecido, lo dejan en el suelo y lloran desconsoladamente.
Llega el Dottore quien sentencia que Pulcinella está muerto. En este instante aparece el Mago que, con un gesto autoritario, ordena al presunto cadáver que se levante. Éste es en realidad Furbo, amigo de Pulcinella, y se pone de pie en medio de la algarabía general. A su vez el Mago, que es el verdadero Pulcinella disfrazado, se une a la fiesta.
Ignorando todo lo ocurrido, Florindo y Coviello llegan a la plaza vestidos como Pulcinella, con la intención de conquistar a Prudenza y Rosetta. Al intercambio general de papeles se une también Furbo, que pretende cortejar a Pimpinella. Es interrumpido por un furioso Pulcinella.
Furbo se pone las ropas del Mago y se prepara para celebrar las bodas de las parejas.

La única versión que he encontrado es la del Scapino Ballet de Rotterdam.

Manon

Ballet en tres actos. Creado por Kenneth MacMillan y estrenado en 1974 por el Royal Ballet de Londres. La música es de Jules Massenet, orquestada y adaptada por Leighton Lucas.

Es una adaptación de la novela "L'Histoire du Chevalier des Grieux et de Manon Lescaut" del escritor francés Abbe Prévost, escritor del siglo XVIII. 

También inspiró las óperas de Massenet y Pucini. 

ACTO I

En una posada cerca de París donde se encuentran caballeros y prostitutas, se encuentra Des Grieux que está leyendo un libro de teología cuando llega el coche de Manon, la hermana de Lescaut, supuestamente en dirección a un convento. Pero éste ve que su belleza encierra una fuente de ingresos e intenta sonsacar algún comprador de sus favores. Mientras, Manon y Des Grieux quedan solos y él le declara su amor. Ella accede a fugarse con él en el próximo carruaje que salga, pero Lescaut tiene otros planes para su hermana.
En un espacio íntimo gobernado por una gran cama que simboliza el amor consumado de los dos jóvenes, Des Grieux se dispone a escribir una carta a su padre en la que le pide dinero. La pareja muy enamorada, necesita una manera de mantenerse. En el momento en que él sale a depositar la carta, entra Lescaut con Monsieur G.M., que trae unos brillantes y un abrigo de pieles como regalo persuasivo. Al final accede a irse con ellos.

ACTO II

Empieza en un burdel lleno de chicas y clientes, donde están Des Grieux y Lescaut. Llega Manon, altiva, del brazo de Monsieur G.M. y Des Grieux baila un solo en el que recuerda cuando le pidió que se fugaran. El hermano de Manon, para facilitarles una salida, prepara una partida entre Des Grieux y Monsieur G.M. con unos ases trucados, pero el viejo los descubre y la partida termina con un duelo de espadas y Monsieur G.M. herido. Manon y Des Grieux tienen que huir.
Al encontrarse solos, se dan cuenta que el gusto por el lujo que ha probado Manon es un obstáculo (Pas de deux de la pulsera). Justo cuando logran reconciliarse, llega Monsieur G.M. acompañado por Lescaut, a la fuerza, y por la policia, que arresta a Manon por prostitución, por lo que es deportada a Nueva Orleans. Lescaut muere asesinado por Monsieur G.M.

ACTO III

En el puerto donde desembarcan las prostitutas, deshechas después de nueve semanas de viaje, en cuanto baja acompañada por su fiel Des Grieux, el carcelero escoge a Manon para llevarla a su cuartel, donde la fuerza. Des Grieux consigue entrar y le mata, teniendo que huir nuevamente por los pantanos de Lousiana.
En el camino, Manon enferma y finalmente muere en los brazos de Des Grieux, mientras ve pasar su vida por delante.

Carmen

Carmen es un personaje creado por la pluma de Prósper Mérimée en 1845.

El tema de Carmen no fue adaptado plenamente al ballet hasta 1949, cuando Roland Petit decidió crear una coreografía inspirándose en la ópera de Bizet, usando para ello arreglos musicales de la misma obra. Su coreografía tenía un estilo muy homogéneo, en el que se unía el realismo y el clasicismo, con mucho humor y con grandes dosis de erotismo.

La obra se estrenó en el Prince's theatre de Londres el 21 de febrero de 1949, y los intérpretes principales fueron Zizi Jeanmaire en el papel de Carmen y el mismo Roland Petit en el papel de Don José. En esa época fue considerada una obra muy moderna, se puede decir de vanguardia.
Roland Petit condensó la ópera de Bizet en un ballet que consta de cinco escenas.

1ª Escena - "La place" - se desarrolla en la plaza de un pueblo de andalucía, donde un grupo de muchachos espera la salida de las cigarreras. También están presentes en la escena dos bandidos y su bella acompañante, que circulan por la plaza para tratar de robar a los paseantes incautos. Las cigarreras bajan la escalera y bailan con los muchachos. Carmen y Don José aparecen en escena: ambos se encuentran por primera vez. El protagonista se enamora locamente de Carmen, que permite que los bandidos le roben su dinero. Don José la busca, pero ella huye.

2ª Escena - "La Taverne Lilas Pastia" - El humillado Don José sigue a Carmen hasta la taberna. En la escena todos bailan, primero con las sillas y luego por parejas. Don José irrumpe en la taberna e inicia un solo, al compás de la famosísima habanera. Seguidamente aparece Carmen, con un abanico y recubierta de paillettes, que baila bajo la mirada subyugada de todos los presentes. Ambos protagonistas bailan juntos. Al final, él se la lleva consigo mientras el resto de los asistentes prosiguen su alegre danza. La pareja aparece de nuevo en escena, interpretando un pequeño baile con aires de flamenco. Después, Don José se lleva nuevamente a Carmen.

3ª Escena - "La Chambre" - tiene lugar en el dormitorio de Carmen, donde se desarrolla la escena de amor. Primero, Carmen baila una insinuante danza. Luego se inicia el pas de deux con un romántico, sensual y apasionado adagio. Finalmente entran los bandidos. Carmen quiere irse con ellos, y convence a José de que los siga.

4ª Escena - "La Grange" - La noche ha caído, los bandidos quieren que Don José mate a un hombre que se acerca para robarle. Él duda, pero Carmen le convence de ello. Todos se esconden y José se queda solo, con un gran cuchillo y bailando como si estuviera agonizando. Su pasión por Carmen le lleva hasta el asesinato. Los bandidos le roban al muerto y huyen. Carmen decide irse con ellos, abandonando a José, que enloquece de desesperación.

5ª Escena - "La Corrida" - Tiene lugar en el exterior de una plaza de toros. La corrida está a punto de comenzar, hombres y mujeres van vestidos para asistir a la fiesta. Aparece el torero, al verle Carmen se enamora de él. Cuando aparece Don José, todos entran en la plaza, menos los dos protagonistas. Entonces inician una danza violenta, donde se ponen de relieve los celos y el rencor. Ella le rechaza. Don José saca el cuchillo, pero ella no huye, lo desprecia. Finalmente corre hacia él, que le clava el cuchillo. Carmen muere.