Sol León (Córdoba, España). Decidió ser bailarina muy tarde, dio clases entre otros con Víctor Ullate, en 1987 entró en en NDT 2, y en 1989 pasó al NDT 1 , donde coincidió con Nacho Duato y con Paul Lightfoot, con el que empezó a crear desde el primer momento.
Paul Ligthfoot (Kingsley, Inglaterra). Estudió en la Royal Ballet School de Londres. Entró en el NDT en 1985.
En 2002 fueron nombrados coreógrafos residentes, y Paul es director artístico de la compañía desde 2011.
Shoot the moon
Estrenada el 27 de abril de 2006. Música de Phillipe Glass - Movimiento II del Tirol Concierto para piano y orquesta
Ganó el Cisne a la Mejor Producción de Danza de los premios de la VSCD (Asociación de Teatro y Salas de Conciertos) 2005-2006.
En un escenario rotatorio que representa tres habitaciones, con puertas y una ventana grande cada una, cinco personajes (tres chicos y dos chicas) participan en solos y dúos, sus vidas parecen entrelazadas, ellos miran a través de las ventanas o caminan mientras otros bailan. Es una pieza intrigante porque deja abierto a interpretaciones sobre el tipo de relación que tienen los bailarines entre ellos y en conjunto.
Encima del escenario hay dos pantallas grandes que muestra imágenes en directo pero desde otra perspectiva.
Same Difference
Estrenada el 8 de noviembre de 2007. Música de Phillipe Glass - Sinfonía nº 3 (1995), III movimiento; Cuarteto de cuerdas nº 5 (1991), movimiento IV.
Siete personajes extraños que habitan en un mundo oscuro y surrealista. La pieza está inspirada en la influencia caótica del ego en los seres humanos y lo fácil que es caer en la locura.
SH-Boom
Estrenada primero en Workshop en 1995 y por la NDT 1 el 5 de octubre de 2000. Música de varios compositores.
Desde su estreno ha sido adaptada y actualizada varias veces. En esta ocasión presentan una versión que nunca se ha visto en los Países Bajos.
Es una pieza en la que varios hombres enamorados tratan de impresionar a las mujeres.
El próximo 13 de diciembre de 2012 emisión en directo en salas de todo el mundo del Cascanueces representado por el Royal Ballet.
Coreografía de Peter Wright after Petipá. Decorados y vestuario de John MacFarlane.
Sugar Plum Fairy - Roberta Márquez
El Príncipe - Steven MacRae
Clara - Meaghan Grace Hinkis
El sobrino/Cascanueces - Ricardo Cervera
Drosselmeyer - Gary Avis
Conductor - Koen Kessels 12 de diciembre de 2013, emisión en directo. Sugar Plum Fairy - Laura Morera El Príncipe - Federico Bonelli Clara - Emma Maguire Hans/Cascanueces - Alexander Campbell Drosselmeyer - Gary Avis En España se verán en :
Yelmo - Madrid, Valencia, Oviedo, Alicante, Málaga y Barcelona.
El Cascanueces es el ballet por excelencia de las navidades, lo representan la mayoría de las grandes compañías en estas fechas. Un encantador cuento de aventuras que sigue el viaje de una niña a través de un mundo de fantasía de hadas, príncipes, soldados de juguete y un ejército de ratones.
http://www.fundacioct.cat/es/programacio/compania-nacional-de-danza/ El sábado 15 de diciembre presenta la CND, en el Centre Cultural Unnim de Terrasa (Rambla d'Egara, 340), un programa con cuatro piezas, dos estrenos absolutos. Es un programa ecléctico que reúne piezas de estilos y orígenes muy distintos.
Coreografía de Tony Fabré. Música de Edvard Grieg (Holberg Suite). Compositor noruego (1843-1907). Estrenada por la CND 2 en el Teatro Albéniz el 25 mayo 2000. Coreografía para cuatro mujeres y cuatro hombres.
Se trata de un montaje abstracto, sin hilo argumental, en el que las sensaciones mueven el cuerpo y lo sintonizan enérgicamente con la melodía. (1/07/2004. EFE.)
El punto fuerte de la obra son sus duetos vibrantes (NYTimes. 14/07/2004)
Una obra equilibrada en cuanto al juego de simetría y asimetría, con momentos para solistas, dúos y conjunto, diferentes niveles de lectura, líneas de gestualidad enlazadas como las de Duato, simplicidad y complejidad... todo perfecto, bello y muy musical. (ABC. 11/07/2004. Pablo Meléndez-Haddad).
Descamino de dos Coreografía de Mattia Russo y Diego Tortelli. Música de Clif Martínez. Estrenada en julio de 2012 en el Certamen Internacional de Coreografía de Burgos-New York 2012 y por la CND en el Mercat de Les Flors (Barcelona) el 27 de octubre de 2012.
Algunas veces no nos percatamos de la suerte que tenemos por todo lo que la vida nos ofrece. Hay personas a las que, con una simple mirada, comprendes, y entiendes el amor que por ti sienten, que están dispuestas a hacerlo todo por ti y que nunca te dejarán solo. Hay distancias, hay incomprensiones, pero lo que hay no se acaba y supera cualquier obstáculo que se le ponga delante.
Hay personas a las que perdonarías hasta el peor fallo, porque sin ellas tu vida no tendría sentido, porque caminar con ellos a tu lado, de la mano, es la mejor sensación que hay en el mundo, porque así nunca te vas a sentir solo.
Tres Preludios Coreografía de Ben Stevenson.
Música de Sergei Rachmaninov (Prelude in B minor, Opus 32, Prelude in F sharp minor, Opus 23, Prelude in A major, Opus 32)
Estreno absoluto por la CND el 15 de diciembre en Terrasa.
Ben Stevenson. (Portsmouth, Inglaterra. 4 abril 1936). Ex bailarín del Royal Ballet y el Ballet Nacional Inglés, co-director del Ballet Nacional de Washington (1971-74), director artístico del Ballet de Chicago (1974-75), Director artístico del Ballet de Houston (1976-2003) y director artístico del Ballet de Texas (desde 2003).
Tres Preludios fue galardonado con la Medalla de Oro de coreografía en el Concurso Internacional de Ballet de Varna (Bulgaria) en 1972. Está en el repertorio de muchas compañías a lo largo del mundo : American Ballet Theatre, Ballet de la Ópera de París, Ballet de La Scala de Milán, etc...
Sutil y romántico paso a dos. Se centra en los personajes de dos bailarines que se enamoran mientras trabajan en un estudio de danza. Los tres movimientos despliegan gran velocidad e intensidad en paralelo a la pasión que crece entre los bailarines.
Sonatas.
Coreografía de José Carlos Martínez
Música : Padre Antonio Soler (Sonatas nº 45 y 118) y Domenico Scarlatti (Sonatas nº 39,159, 208, 286).
Estreno mundial el 15 de diciembre en Terrasa.
La inspiración de Martínez a la hora de crear esta pieza parte de un profundo estudio previo de las partituras de Scarlatti y Soler. Como en una sonata, las frases coreográficas se transforman, se repiten y evolucionan al ritmo de la estructura musical.
Del 30 de noviembre al 2 de diciembre. Coppelia. Teatro Calderón (Valladolid).
Coreografía de Eduardo Lao, coreógrafo y director artístico de la compañía. Mantiene la música de Leo Delibes y el tono cómico de la obra. Vestuario de Pedro Moreno. Escenografía Carles Pujol, que recuerda a Metrópolis de Fritz Lang y Brazil de Terry Gilliam. Estrenada en el Palacio de Festivales de Cantabria en octubre de 2006 y posteriormente el 30 de noviembre en el Teatro Albéniz de Madrid.
En este espectáculo transforma el taller de muñecas del doctor Coppelius que Saint-Leon concibió en su obra de 1870, en un taller de robótica donde se investiga la creación de un androide con apariencia femenina y comportamiento y movimiento totalmente humano.
Para esta obra, Lao, se ha inventado un personaje, la Diva espectral, que será quien realmente estimule el proceso de metamorfosis humana de Coppelia y le dote de emociones y sensibilidad. Franz es un aficionado a la fotografía que trabaja como responsable del servicio de mantenimiento del taller y bajo cuya responsabilidad están tres limpiadoras. Y el doctor Coppelius es un científico obsesionado con humanizar a sus androides y Coppelia es el prototipo mas completo para presentar en sociedad. Obra que permite a la compañía desplegar su capacidad técnica y artística, combinando diferentes estilos. Puesta en escena neoclásica al mantener el virtuosismo de la danza clásica y añadirle la renovación del ballet contemporáneo.
"La moraleja es que el ser humano siempre tendrá la libertad de escoger a quien amar, y eso nos diferencia de las máquinas" (Eduardo Lao).
"La compañía de Víctor Ullate entrega una función llena de vitalidad y energía" (Roger Salas).
Premio anual otorgado por el Ministerio de Cultura desde 1988, desde el año 2000 se otorga en dos modalidades : Interpretación y Creación.
Según el jurado se le ha otorgado por su marcada personalidad y carisma como bailarina, que le permite abordar los grandes roles del repertorio clásico, pero también abrirse a lenguajes coreográficos mas contemporáneos. Características que se reflejan de manera significativa en la construcción de su personaje en la producción de Alicia en el País de las Maravillas de Christopher Wheeldon para el Royal Ballet, compañía en la que destaca como Principal Dancer desde 2001.
Zenaida Yanowsky nació el 23 de diciembre de 1975 en Lyon (Francia). Hija del bailarín bilbaino, de origen ruso, Anatol Yanowsky y de la bailarina Carmen Robles, ambos bailarines del Ballet de la Ópera de Lyon. Se crió en Las Palmas de Gran Canaria, tras regresar sus padres y establecer una academia de danza. Se formó íntegramente en España, comenzó con sus padres, al igual que sus hermanos (Yury, Principal del Boston Ballet y Nadia, Solista del Het National Ballet). En 1991 ganó la medalla de plata en el Concurso Internacional de Ballet de Varna, recibió una invitación para una audición para el Ballet de la Ópera de París, fue un éxito y se unió a la Compañía ese año. Recibió otros premios, medalla de oro en el Concurso de Jóvenes de Eurovisión (1993), medalla de oro en el Concurso Internacional de Ballet de Jackson (1994). En 1994 se unió al Royal Ballet. Y desde 2001 es Bailarina Principal del Royal Ballet.
En su repertorio están tanto los papeles del repertorio clásico : Odette/Odile del Lago de los cisnes, el Hada Lila y Carabosse en La Bella Durmiente, Hada de Azúcar del Cascanueces, Nikiya y Gamzatti de La Bayadere y Myrtha de Giselle. Como de los ballets de Ashton y Wheeldon : Sylvia, Manon, Mayerling, etc... También los ballets de Balanchine : Joyas, Apolo, Agon, Serenade, Sinfonía en C, Los Cuatro temperamentos; Forsythe, Kylian, Ek, Duato, Tetley, etc....
Royal Ballet. La Reina de Corazones, Alicia en el País de las Maravillas.
Royal Ballet. Cisne negro, paso a dos. Zenaida Yanowsky & Nehemiah Kish.
Royal Ballet. Song without words de William Tuckett.
Malandai Ballet Biarritz. 24 y 25 de noviembre. Teatro Maria Eugenia (San Sebastián).
El Malandai Ballet Biarritz presentará : Preludio a la siesta de un fauno, El espectro de la rosa y su última creación, La última canción, ganadora del Gran Premio de la Crítica 2012 en Francia. Une Dernière Chanson. Coreografía de Thierry Malandain, sobre las músicas de Poème Harmonique de vicent Dumestre, grupo centrado en la música vocal e instrumental del barroco (siglo XVII y principios del XVIII).
Une dernière Chanson (La última canción).
Como resultado de la invitación a la 23ª edición del Festival Internacional de La Habana a la Compañía Malandai Ballet Biarritz, en colaboración con el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián, han invitado a Anette Delgado y Dani Hernández, primeros bailarines del Ballet Nacional de Cuba, a participar en la representaciones del 24 y 25, representarán tres pasos a dos clásicos : Muñecos, Don Quijote y Diana y Acteón.
Previamente el 23 de noviembre harán un ensayo abierto a las 19:00 h. en el teatro del repertorio del 24 y 25. La entrada será gratuita, se puede obtener en la taquilla del teatro, hasta completar aforo.
Presentando la entrada del ensayo en la taquilla se tendrá derecho a un 25% de descuento para las funciones del 24 y 25.
Anette Delgado y Dani Hernández. La fille mal gardeé.
Ballet en tres actos sin argumento. Coreografía de George Balanchine, Música de Gabriel Fauré, Igor Stravinsky y Pyotr I. Tchaikovsky. Estrenada en 1967 por el New York City Ballet.
Balanchine contó que la idea de este ballet surgió tras la visita que realizó al joyero Claude Arpels, propietario de una de las mejores joyerías de Nueva York, Van Cleef & Arpels. Y eligió la música que revela la esencia de cada joya.
Esmeraldas. Con música de Gabriel Fauré (Pelleas y Melisande, 1898, y Shylock, 1889). Es una poética evocación de la Francia Romántica, con movimientos propios de los grandes ballets románticos del siglo XIX, como Giselle, con figuras simétricas, ritmos regulares y elegantes, brazos etéreos. Está interpretado por dos parejas, tres solistas y diez bailarinas, todos de verde.
Rubíes. Con música de Igor Stravinsky (Capricho para piano y orquesta, 1929). Representa la vitalidad de EE.UU, donde la música y el baile se ven altamente influídos por los musicales de la década de los años 30 y el jazz, en una coreografía vital y sensual, mas moderna. Interpretada por una pareja, una solista y el cuerpo de baile mixto. Todos con brillantes vestidos rojos.
Diamantes. Con música de Tchaikovsky (Sinfonía nº3 en D mayor, 1875), el compositor del ballet ruso por antonomasia. Evoca el perdido esplendor imperial de su Rusia natal. Realiza una coreografía donde sintetiza el arte de los grandes coreógrafos imperiales, Marius Petipá y Lev Ivanov. Representa el momento mas romántico y grandioso de la obra. Interpretada por una pareja principal, un grupo de solistas y el cuerpo de ballet completo. Todos de blanco y las bailarinas con tutú.
Gracias a los colores (verde, rojo y blanco), a las músicas (Fauré, Stravinsky y Tchaikovsky) y a la excepcional coreografía de Balanchine, este ballet ofrece unos contrastes muy fuertes e intensos.
Es un viaje por los tres países donde desarrolló su carrera : Francia, Rusia y EE.UU. Un viaje por las tres escuelas de ballet y la coreografía, la música y el estilo evoca cada una de ellas. La coreografía de Balanchine es una verdadera exposición de sabiduría clásica, de virtuosismo, de pasos a dos, variaciones, danzas de conjunto, de gran dificultad técnica.
Ballet en cuatro escenas, con coreografía de Mikhail Fokine y música de Igor Stravinsky. Fue estrenado el 13 de junio de 1911 en el Théâtre du Châtelet de París por los Ballets Russes de Diaghilev, con el subtítulo de "Escenas burlescas en cuatro cuadros", siendo sus intérpretes principales Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Aleksandre Orlov y Enrico Cecchetti.
Inspirado en un famoso personaje del teatro de títeres ruso, lo que en el mundo latino equivale al Polichinela. Según Stravinsky "el héroe inmortal e inféliz de todas las ferias en todos los países". Imaginó primero el títere en una pieza para piano y orquesta, y Diaghilev, tras escuchar un primer borrador de la composición ejecutada al piano, le convenció para convertir esa pieza en un ballet. En 1947 Stravinsky hizo cambios importantes, publicó una versión revisada para orquesta reducida. Presenta cambios de tiempo, modificaciones en la instrumentación y algún otro añadido, se trata de una suite mas breve que la original. Este ballet supuso la ruptura definitiva con la estética romántica. Fokine integró una mezcla de mimo, danzas populares y ballet clásico creando una pieza dramática. Pantomima y danza, ilusión y realidad, poesía y frustración, se funden armónicamente. Es una obra oscura y trágica. Mikhail Baryshnikov escribió que el bailarín debe ser capaz de proyectar una extraordinaria variedad de sentimientos : alegría, ira, dolor, abatimiento, humillación, triunfo y todos estos sentimientos en la forma de un muñeco de paja. Un reto insuperable.
Cuadro 1: Verbena en la semana del Carnaval. Entre los tenderetes de la feria se junta un gran gentío, entre el que se encuentran cocheros, sirvientas, bailarines callejeros, etc... que contemplan la actuación de un viejo mago que en el punto culminante anuncia la presentación de sus títeres de tamaño natural : la bailarina, el moro y Petrushka, que cobran vida tocando su flauta. Bailan al ritmo de una danza rusa. Cuadro 2: Cuarto de Petrushka dentro del pequeño teatro El viejo mago mete al títere bruscamente en el cuarto, ahí descubrimos que tiene sentimientos humanos : enfado con el mago por su encierro, amor por la bailarina, deseo de escapar de su encierro. La bailarina entra pero desesperado y frustrado, la asusta. Cuadro 3 : Cuarto del moro El moro está jugando con un coco cuando recibe la visita de la bailarina, que está enamorada de él. Baila para él (danza de la bailarina - trompeta), luego bailan juntos el vals (es una vals de Josef Lanner - Vals die Schönbrunner -), Petrushka les interrumpe furioso, el moro le arroja fuera. Cuadro 4 : Verbena.
Escena colorista. Serie de danzas : Danza de las niñeras, danza del campesino y el oso, danza de los gitanos, danza de los cocheros y los palafreneros, máscaras. Cuando la fiesta está en pleno auge se oye un grito en el teatro de títeres. Petrushka de repente cruza la escena, perseguido por el moro con su cimitarra, y la bailarina persiguiendo al moro. Luchan, cae Petrushka y el moro le mata de un golpe. La policia interroga al mago, éste se justifica y trata de restablecer la calma recordándoles a todos los presentes que es solo un muñeco. Al caer la noche, se ve al mago llevándose el cuerpo inerte de Petrushka, entonces aparece el fantasma de Petrushka en el techo del teatro de títeres, el espíritu se burla y amenaza al mago, el espíritu se desploma y si sobrevive o no queda envuelto en el misterio.
Ballet creado por George Balanchine con música de George Gershwin, 16 canciones compuestas entre 1924 - 1931, orquestación de Hershy Kay. Estrenado por el New York City Ballet el 7 de febrero de 1970, en el New York State Theater, Lincoln Center. El ballet a veces se realiza en "Versión Concierto" que consiste en los solos y pas de deux de los bailarines principales : The man i love, I'll build a starway to paradise, Embraceable you, Fascinatin' rhythm, Who cares?, My one and only, I got rhythm (para todos los bailarines).
Es un brillante homenaje a Nueva York, en especial al siempre despierto Manhattan, entre los rascacielos se propicia el romance y la diversión. La coreografía nos lleva a la exuberancia de la vida en la ciudad. Capturó maravillosamente el espíritu de la época del jazz, incorporando elementos de bailes como el charleston y el foxtrot de la década de los años 20 y movimientos de danza jazz. Es una coreografía elegante, sofisticada, variada (pas de deux románticos, solos brillantes, grupales trepidantes). Para Balanchine en el ballet lo importante es el movimiento en sí mismo, y en sus coreografías hay una profunda interrelación entre el movimiento y la música. Su deseo era que el público disfrutara de sus obras por su belleza intrínseca.
Miami City Ballet. Edward Villella on Who cares?
New York City Ballet. "Balanchine celebration". 1993. Bailarines : Viviana Durante, Robert La Fosse, Lourdes López, Heather Watts, Jack Soto, Judith Fugate, Melinda Roy, Ronald Perry, Jeremy Collins, Elisabeth Loscano :
Ballet en tres actos. Coreografía de Kenneth MacMillan. Música de Franz Liszt, John Lanchbery arregló y orquestó mas de 30 piezas de Liszt, entre otras - A Faust Symphony, Heroide funebre, Mephisto Vals, Mephisto polka,...- . Libreto de Gillian Freeman. Estrenada el 14 de febrero de 1978 por el Royal Ballet en el Covent Garden.
Kenneth MacMillan se interesó por la familia real de los Habsburgo y la desaparición del Imperio Austro-húngaro tras la lectura de "The Eagles die : Franz Joseph, Elisabeth and their Austria" de George Richard Marek (1974).
El ballet se concentra en la figura del Príncipe Rodolfo, es uno de los los papeles mas difíciles y exigentes del repertorio clásico masculino, físicamente, incluye siete pasos a dos con seis bailarinas diferentes y varios solos, a lo que se añade una interpretación que requiere muchos estados de ánimo muy distintos : relación de odio con su mujer, la relación edípica con su madre en la que muestra una gran fragilidad, la relación ambigua con su ex amante, el entusiasmo y la pasión con María. Su adicción a las drogas y el aturdimiento provocado por estas, las cefaleas provocadas por la sífilis, su obsesión con la muerte - él quiere morir, pero no solo. Es realmente complicado hacer creíble a este príncipe de innumerables aristas psicológicas.
La historia del doble suicidio del príncipe heredero y su joven amante, Maria Vetsera, en el pabellón de caza del emperador Francisco José I en Mayerling (aldea cercana a Viena) en 1889, siempre ha estado envuelta en el misterio y la intriga, y ya había sido idealizada en el cine en varias películas : Sueños de príncipe (Mayerling) de Anatole Litvak (1936), De Mayerling a Sarajevo de Max Ophüls (1940) y Mayerling de Terence Young (1968).
Prólogo
Entierro en el cementerio de Heiligenkreuz antes del amanecer.
I Acto
Comienza con la boda imperial entre el príncipe Rodolfo, heredero del imperio austro-húngaro, y la princesa Estefanía de Bélgica, en cuya fiesta el novio no deja de flirtear con otras mujeres. Sus atenciones van dirigidas sobre todo hacia la princesa Luisa, hermana de la novia, frente al estupor del resto de los invitados. Y mas tarde con la joven baronesa María Vetsera, que ha sido introducida por su madre y la condesa Larisch (ex-amante del príncipe), la atracción es mutua, pero son interrumpidos por cuatro oficiales húngaros que buscan el apoyo del joven príncipe a su causa política separatista. La condesa Larisch regresa y ante sus reclamos sexuales él la rechaza pero en un descuido le besa y son descubiertos por el emperador, entonces aparecen los invitados y su esposa, y se va con ella.
Rodolfo visita a su madre en su habitación, mientras su mujer le espera en sus aposentos preparándose para la noche de bodas. Una vez en la habitación, Rodolfo aterroriza a Estefanía con un cráneo y un revólver, y termina forzándola.
II Acto
Rodolfo lleva a Estefanía a una taberna de dudosa reputación para encontrarse con Mitzi Caspar, la prostituta a la que frecuenta. Pronto se va disgustada. Rodolfo se queda acompañado de su cochero, Bratfich, y de sus amigos, los conspiradores húngaros. Hay una redada policial, Mitzi y Rodolfo se esconden. Al quedarse solos trata de persuadirla de que deberían suicidarse juntos, ella lo rechaza. Rodolfo se tiene que esconder otra vez ante la entrada del primer ministro, el conde Taaffe, con el que se va aliviada, no sin antes avisarle que Rodolfo está escondido allí.
Una vez fuera de la taberna Rodolfo se encuentra con la condesa Larisch, que le presenta de nuevo a María, en un encuentro cuidadosamente ideado.
En la siguiente escena María está contemplando un retrato de Rodolfo cuando llega la condesa de visita a su casa, y tomando una baraja de cartas le predice que pronto sus sueños se harán realidad. María le da una carta para Rodolfo.
Durante la celebración del cumpleaños del emperador en el palacio, donde toda la corte está reunida, incluída la Archiduquesa Sofía (madre del emperador) y una embarazada princesa Estefanía, la emperatriz Isabel le ofrece abiertamente a Francisco José un retrato de Katherina Schratt, su amante, que está a su lado y luego, mientras los fuegos artificiales, ella busca la atención de su amante, el coronel "Bay" Middleton. Todo esto lo ve Rodolfo con amargura e ira, y la condesa Larich aprovecha para burlarse de él, tentándole con la carta. Tras recibirla, la hace llamar.
Estando Rodolfo en su habitación, aparece María y se desata la pasión y el deseo entre ellos.
Irek Mukhamedov & Viviana Durante. 1994.
III Acto
Se abre con una cacería real con todos los miembros de la corte. Al príncipe Rodolfo se le dispara el arma matando al caballero que mas cerca se encontraba de su padre el emperador Francisco José, y el emperador empieza a temer por su vida, sospecha que le quieren matar.
Rodolfo está en su apartemento, se ha inyectado morfina, recibe la visita de la condesa Larisch que trata de consolarlo. La emperatriz les descubre y enojada echa a la condesa.
María se reúne con Rodolfo y éste le pide que muera con él y ella acepta.
Rodolfo se junta con el conde Hoyos y el príncipe felipe en el pabellón de caza, después de beber se despiden de él y aparece María, acompañada de Bratfich. Hacen el amor apasionadamente y finalmente él le dispara a María y luego a sí mismo. Al oir los disparos sus amigos entran y descubren los cuerpos.
Royal Ballet. Edward Watson & Mara Galeazzi. 2009.
Epílogo
El cuerpo de María es arrastrado al ataud y es enterrada antes del amanecer. El ballet acaba con la primera escena del ballet.
Ballet en un acto y dos cuadros. Coreografía y libreto de Mikhail Fokine, Música de Igor Stravinsky.
Se estrenó el 25 de junio de 1910 en el Teatro de la Ópera de París por los Ballets Rusos de Diaghilev, con Fokine y Karsavina como pareja protagonista. Escenografía de Alexandre Golovine, Vestuario de Leon Bakst.
El libreto es un compendio de varios cuentos, leyendas populares rusos - El zarevich Iván y el lobo gris, Kaschéi el Inmortal y El pájaro de fuego.
Argumento
Cuadro I. Crepúsculo en el jardín encantado del mago Kastchey.
El joven príncipe Ivan Tsarevich que, mientras está cazando, descubre al Pájaro de fuego que atraído por unas manzanas de oro, va de árbol en árbol. El joven le persigue. Salta el muro del jardin y se esconde tras un árbol mientras le espía, tras varios intentos consigue cazarle. El pájaro lucha y se resiste y finalmente consigue que Ivan le deje libre tras entregarle una pluma. Con ella, podrá invocar la ayuda del pájaro de fuego en el momento que lo necesite. Al amanecer, se encuentra ante un enorme castillo, del cual salen trece hermosas princesas a jugar con las manzanas de oro. Por estas se entera de que está en los dominios del mago Karschey, que las tiene cautivas bajo un encantamiento. Los caballeros que han tratado de rescatarlas han sido convertidos en estatuas de piedra. Baile de las princesas (Khorodov).
Ivan, pese a las advertencias, las sigue y se acerca al castillo. Tras romper la verja, entra en el reino del mago. De repente criados, esclavos y monstruos irrumpen en le jardín. Cuando llega Kastchey quiere convertirlo en estatua de piedra, pero en ese momento éste saca la pluma e invoca al pájaro de fuego. Este aparece y arrastra al mago y sus secuaces a una diabólica danza hasta que caen exhaustos. Entonces le señala a Iván la arqueta donde el mago guarda el gran huevo blanco que contiene sus poderes e inmortalidad. Ivan abre la caja de metal y levanta entre sus manos el huevo, justo antes de romperlo contra el suelo y así conseguir la muerte del brujo.
Cuadro II.
Con la muerte del mago terminan todos los maleficios y los sirvientes y seguidores que se encontraban en el castillo bajo su control son liberados de las invisibles cadenas que les ataban. A la celebración del desenlace final también se unen las princesas, y ahora Ivan Tsarevich y la bella Tsarevna pueden unirse en matrimonio.
Stravinsky y El Pájaro de fuego.
Para la música se pensó en principio en Antón Liadov, alumno de Rimsky-Korsakov (1844-1908), pero declinó la oferta. Entonces Diaghilev acudió a Stravinsky, también alumno de Rimsky-Korsakov, al que conocía, el virtuosismo instrumental puesto de manifiesto en sus obras Scherzo fantástico y Fuegos de artificio le habían llevado ya a solicitar su colaboración en la orquestación del Nocturno en La bemol mayor y del Vals brillante en Mi bemol mayor de Chopin para Las Sílfides. El ballet consta de 19 números a partir de los cuales el autor elaboró tres suites orquestales, en 1911, 1919 y 1945. Estas suites se ejecutan con mucha mas frecuencia que la partitura completa del ballet. Quizá es la última obra de Stravinsky que todavía de puede ubicar en el Romanticismo tardío.
Según el propio compositor se perciben los modelos de Rimsky-Korsakov en la armonía y en su tratamiento de la orquesta; y de Tchaikovsky, estilísticamente. La secuencia sinfónica del ballet se abre con la descripción del jardín fantástico, un pasaje lleno de misterio al que sigue la danza del Pájaro de Fuego, de notable audacia rítmica. El segundo bloque comprende la Ronda de las Princesas, una encantadora danza popular con dos temas muy melódicos. La Danza Infernal es el movimiento de mayor efecto y destaca la originalidad de los rítmos y timbres. Cuando la danza ha alcanzado su clímax, cesa el estruendo para dar paso a una canción de cuna (entonada por el fagot) que representa el momento en que el Pájaro de fuego adormece a los monstruosos súbditos de Kastchei. Poco a poco, la escena se transforma. Desaparece el jardín mágico y los cautivos recobran la libertad. Un expresivo solo de la trompa anuncia el amanecer, que se despliega con parsimonia sobre una orquesta resplandeciente. Al final, la alegría es general y el poderoso clímax sonoro refleja la felicidad de Ivan y la hermosa princesa. (Gonzalo Badenes. "Programa de mano". Rivera Editores).
Vienna Philarmonic. Director : Valery Gergiev. Salzburg Festival 2000.
Si en el siglo XIX de la alianza Tchaikovsky-Petipa- Ballet Imperial de Moscú nacieron ballets tan famosos como El lago de los cisnes, El Cascanueces y la Bella Durmiente, a principios del siglo XX, de la alianza Stravinsky-Fokine-Ballets Rusos de Diaghilev, surgieron nuevos ballets comoEl Pájaro de fuego,Petrushka(1911) yLa Consagración de la primavera(1913), espectáculos atrevidos e innovadores que todavía hoy forman parte del repertorio clásico y con los que se reinventó el género.
