Nexo Y Jaleos. Víctor Ullate Ballet.

Teatros del Canal (Madrid), Sala Roja. Del 13 al 21 de octubre.

Programa mixto que consta de 2 estrenos absolutos : Nexo, de Arantxa Sagardoy y Alfredo Bravo e Y, de Eduardo Lao. Y Jaleos, todo un clásico de Víctor Ullate.

Yester Mulens & Cristian Oliveri. "Y". 

El espectáculo se inicia con Nexo, una coreografía de tinte contemporáneo firmada por Arantxa Sagardoy y Alfredo Bravo, con música de Igor Stravinski, que pone de manifiesto la complejidad de movimiento de todos y cada uno de los bailarines. En la segunda parte, una primera pieza a cargo del director artístico, Eduardo Lao, que bajo el título Y sorprende con un dúo masculino inspirado en los Poemas del Compañero Errante, con música de Gustav Mahler; y una segunda pieza de Víctor Ullate, Jaleos, con música de Luis Delgado, todo un clásico de la compañía que vuelve a sorprender dieciséis años despues de su estreno. 

Jaleos.

 Según el propio Víctor Ullate : "es un clásico contemporáneo dentro de un estilo muy personal con unas raíces muy profundas en España".

El País. Roger Salas. 8 dic. 1996. "Mayoría de edad de un estilo". Jaleos pisa con mas garbo y firmeza en las huellas de Arrayan daraxa y explora insertarse en la corriente de la deconstrucción con una explosión de dificultades técnicas que los bailarines se saltan con pujanza y brío, lo que exige el coreógrafo.

La Verdad de Murcia. 5 enero 1999. "Jaleos impacta mas que la primera parte. Una escenografía metalizada y vestuario de Eduardo Lao, junto a la música de Luis Delgado (de nuevo la percusión es la base rítmica) da un entorno apropiado para una coreografía en la que asombra la técnica clásica de los bailarines. Ritmo, percusión, sonidos, todo se entremezcla en un constante dibujo de pasos increíbles, venciendo con maestría las más complicadas dificultades de una obra modernista y completa".

Españaescultura.es. Ullate desarrolla un espectáculo de impecable plasticidad, en el que la vivacidad, agilidad, la espontaneidad y el movimiento frenético se erigen como hilo conductor de la obra. Fusión entre lo español y lo clásico, entre la sensualidad y el temperamento femenino y el ímpetu y la virilidad masculina, entre el gracejo popular de aire flamenco y las tendencias de la danza actual. 

http://www.teatroscanal.com/espectaculo/nexo-y-jaleos/

http://www.ociopormadrid.es/2012/10/critica-victor-ullate-nos-sorprende-de.html

Víctor Ullate Ballet

Compañía creada en 1988, formada por 26 bailarines de países diferentes. Su línea de trabajo se ha caracterizado por un lado, por el perfeccionamiento y potenciación de la técnica clásica; y por otro, la diversificación de estilos, desde el repertorio clásico, hasta el característico neoclásico, propio de la compañía. Estos factores, mas la exclusividad de su repertorio, son los que han definido la personalidad y caracterizado el dominio de un estilo único. En 1997 se convierte en el Ballet de la Comunidad de Madrid.

Obras : Amanecer (1988), Psicosis (1990), La inteligencia de las flores (1991), Simun (1991), Underground (1991), Arrayan DAraxa (1992), De Triana a Sevilla (1992), Tierra madre (1992), Concierto para tres (1993), Tsunami (1993), El amor brujo (1994), Fratres (1994), Arraigo (1994), Voila cést ça (1995), Volar hacia la luz (1995), Tras el espejo (1995), Jaleos (1996), Ven que te tiente (1996), Don Quijote (1997), Soleá (Talata) (1998), ITu ¿bailas? ( 1999), Romeo y Julieta (1999), Giselle (1999), Burka (1999),  Seguiriya (2000), Nostalgia (2001), Musa (2001), Sola (2001), Gogh (2001), Llanto de luna (2003), El Sur (2005), Go up (2005), Coppelia (2006), Beethoven (2008), Samsara (2008), 2 you maestro (2008), Wonderland (2010), El arte de la danza (2010).

Promo de los teatros del Canal

Jaleos e Y

Jaleos. Promo en HD.

Alvin Ailey. American Dance Theatre en septiembre en Barcelona.

TEATRO DEL LICEO.

13, 14 y 15 de septiembre de 2012.

Programa : Festa Barroca / Love Stories / Revelations

REVELATIONS

Creada en 1960 por Alvin Ailey. Se basa en músicas tradicionales de la cultura afroamericana : gospel, spirituals, preachin' sermons por una parte, blues y jazz por otra.

Las tres partes del ballet tienen títulos muy indicativos : 1) Pilgrim of sorrow (peregrino del dolor), expresa la firme creencia de que llegará la salvación; 2) Take me to the water, es una marcha hacia la salvación y 3) Move, members, move, se celebra el poder liberador del siglo XX.

La coreografía es muy moderna en las posturas y en los grupos, y al mismo tiempo evoca la memoria de un mundo que tiene raíces lejanas. La música religiosa se enlaza en el ballet con los cantos de amor y libertad, con las escenas de la vida cotidiana de los negros, con sus pasiones, con el pecado y el arrepentimiento.

A los esclavos negros de Estados Unidos se les concedió desde siempre un única libertad de expresión : la música. Las work songs (cantos de trabajo) constituyeron su primera forma espontánea de expresión musical, y con ellas acompañaban las largas y durísimas jornadas de trabajo a que se veían sometidos. En estos cantos conservaron algunos de los estilos típicos de la música negra africana, sobre todo en lo referente a su estructura rítmica.

Los cantos de trabajo fueron convirtiéndose en una forma expresiva más evolucionada, los espirituales. En estos cantos, el elemento lingüístico, el texto, adquirió un peso más importante, fruto del contacto de la comunidad negra con el cristianismo. Pero también eran un instrumento expresivo de identificación social y racial. El único consuelo que tenían provenía de la esperanza nacida de la lectura de los libros sagrados, el ansia de libertad se materializaba en las desventuras del pueblo hebreo, tan similares al sufrimiento del pueblo afroamericano.

Hay una característica peculiar en el espiritual : posee una modulación "antifonal", originada por las preguntas y las respuestas entre dos voces diferentes y entre dos coros, y que también deja entrever los orígenes africanos de su origen. Los espirituales pertenecían a la tradición oral y su ejecución era improvisada. 

El gospel es la evolución de los espirituales, con la incorporación de instrumentación y armonización mas compleja. La música ya no se limita a la modulación antifonal. La temática pasa del Antiguo Testamento a centrarse en Jesús. A partir del siglo XX se establecía un diálogo mas directo con Jesús, con Dios padre, al que le agradecían las bendiciones recibidas, se le pedía la intervención para solucionar problemas o incluso se le dirigían quejas por su situación. 

FIESTA BARROCA

Coreografía creada por Mauro Bigonzetti para el Alvin Ailey American Dance Theatre. La música es una selección de obras de Handel. Es una obra técnicamente exigente, que muestra los puntos fuertes de los bailarines individuales. Variaciones neoclásicas. Aunque también saca a relucir los aspectos cómicos de varios de los bailarines. Delicadeza, pasión, diversión, colorido....

LOVE STORY

Coreografía creada por Judith Jamison (apertura y final de la pieza), Robert Battle y Renie Harris en 2004. Música de Stevie Wonder y Clarence Paul-Henry Cosby, compuesta y producida por Darrin Ross.

Renie Harris, bailarín, coreógrafo y profesor de hip hop. Robert Battle, actual director artístico de la compañía. 

El Corsario

Ballet en 3 actos. Es una adaptación del poema romántico de Lord Byron publicado en 1814 sobre el amor de un pirata por una esclava.

Se estrenó por primera vez en Milán con coreografía de Giovanni Galzerani para la Scala, el 16 de agosto de 1826. De las posteriores versiones cabe recordar la que realizó Ferdinand Albert en Londres en 1837, con música de Nicholas Bochsa. Sin embargo, la versión que alcanzó mayor popularidad fue la de Joseph Mazilier, que realizó la coreografía de un ballet en tres actos y cinco escenas según el libreto escrito por Vernoy de Saint-Georges y por él mismo, con música de Adolphe Adam. Se estrenó en la Ópera de París el 23 de enero de 1856. Con una nueva coreografía de Jules Perrot el ballet pasó a Rusia, donde se representó en el Teatro Bolshoi el 12 de enero de 1858.
Teniendo como base esta versión, Marius Petipa llevó a la escena su propia versión, en la que reubicó escenas y agregó mas música con la colaboración de Riccardo Drigo, quien compuso el famoso pas de deux  integrado por el adagio, las variaciones femenina y masculina y la coda final de gran lucimiento, Cesare Pugni y Minkus. Se estrenó el 13 de enero de 1899. 

El Grand pas de deux, con música de Drigo y coreografía de Petipa, fragmento de gran virtuosismo, se ha conservado hasta nuestros días como una muestra de la gran técnica académica. Suele incluirse en muchos repertorios de las grandes compañías. Una de las interpretaciones mas reconocidas fue la de Rudolf Nureyev y Margot Fonteyn  en el Covent Garden en una gala del Royal Ballet, el 3 de noviembre de 1962, que hicieron que esta obra llegara al gran público.

ARGUMENTO:

I Acto

El corsario Conrad, su esclavo Alí y su amigo Birbanto navegan en su barco pirata llegando a Turquía. En el Gran Bazar, compradores y traficantes comercian con bellas esclavas. Conrad y sus amigos llegan a puerto en el momento en que Lankedem, el vendedor de esclavas, está en plena faena, negociando con un Pachá deseoso de ampliar su harén. Primero discuten por el precio de una esclava llamada Gulnare y cuando el trato ya está cerrado, el Pachá descubre la belleza de medora y quiere comprarla también, aunque sea la mas cara de todas las esclavas que nunca ha adquirido. Conrad al ver a Medora queda completamente prendado de ella. Finalmente es vendida al pachá. Éste y Lankedem con las esclavas se van, y Conrad envía a su esclavo Alí y a sus hombres tras ellos. 

II Acto

Conrad y sus hombres han apresado a Lankedem y a las esclavas, menos a Gulmara que ya había sido llevada a palacio. En la gruta pirata, Medora intenta convencer a Conrad de que deje la vida de pirata y deje libres a las prisioneras, pero Birbanto y un grupo de compañeros no están de acuerdo, éste tiene otro plan, devolver a Medora al traficante y así obtener una buena recompensa. Pacta con Lankedem darle un somnífero a Conrad, le adormecen y raptan a Medora, que se defiende en vano, pero le hace un corte a su raptor. Birbanto quiere deshacerse de Conrad, pero la llegada de su fiel Alí, lo evita. 

III Acto

En el palacio las odaliscas bailan para el Pachá cuando llega Lankedem con Medora, que baila tristemente pensando en Conrad. 

Conrad y sus amigos llegan a palacio disfrazados de peregrinos, incluído Birbanto, consiguiendo llegar hasta donde están las esclavas. Allí se encuentra con Medora, pero no puede creer que lo que le dice sobre Birbanto, pues confía ciegamente en él. Cuando Medora le cuenta que le produjo un corte con el puñal en el brazo se da cuenta de que le cuenta la verdad y lo reta junto al traficante. Mata a Birbanto. Huyen hacia el barco y emprenden viaje. Los alcanza una tempestad que los hace naufragar, Conrad y Medora se despiertan juntos en tierra firme y se acaba. 

BALLET ENTERO. American Ballet Theatre

Caravaggio

El ballet de Caravaggio (2008) está compuesto por un prólogo y dos actos. Coreografía: Mauro Bigonzetti, Música: Bruno Moretti sobre variaciones libres de Mauro Monteverdi. Creado para el Staatsballett Berlin.

En el prólogo se presentan a los protagonistas del ballet : el pintor y la luz. Ella es la guía de Caravaggio, el motivo de avanzar y retroceder en su búsqueda a través de bailes escurridizos y acercamientos sombríos.

El acto I

Cuenta el traslado desde Milán hasta Roma, donde Caravaggio pasó el periodo mas largo de su vida. La escena del carnaval representa el modo de vida del pintor, que se deja llevar por el mito de Baco y no le importan los efectos que esos excesos pueden tener en el futuro. La alegría y la pena se entremezclan sin pausa, entre fiestas, disputas y duelos.

Acto II

Todo este sustrato personal pasa a un terreno ideal en este acto, encabezado por su conocida obra "Tríptico de San Mateo". De alguna manera, consigue que los altibajos en su vida pasen a la escala cromática, y que el martirio del santo acabe siendo el propio de Caravaggio.

Así, una línea argumental biográfica es cubierta por el análisis de sus formas artísticas a través de las cuales crea algunas obras maravillosas pese a la crueldad que reflejan, y que no está muy alejada de la vida real del artista. El final anunciado de su violenta muerte es como un cuadro que Caravaggio podría haber pintado.

Este particular ballet no solo cuenta la biografía del conocido pintor barroco, Caravaggio (1571-1610), sino que hace un pequeño repaso por sus obras mas destacadas y, lo que es mas importante de todo, intenta recrear su ingeniosa técnica pictórica en el escenario.

Caravaggio (Michelangelo Merisi, 1571-1610) fue uno de los pintores mas grandes del barroco, la corriente artística que surgió después del renacimiento y como oposición a las repeticiones formales del manierismo. Los artistas barrocos buscaron la originalidad y el naturalismo en su acercamiento al tema religioso y en la representación de los personajes que pintaban. Pero el elemento mas característico del periodo, uno de los hallazgos de Caravaggio, es la técnica del claroscuro, un contraste de luces que sumergen las escenas en una oscuridad indeterminada para destacar elementos concretos con puntos de luz focalizados.

Esta oposición entre luz y sombra que supo dar a sus cuadros fue la misma que cruzó toda su vida de principio a fin. Pese a nacer en una familia acomodada, perdió a su padre en la infancia y en su juventud pasó de la gloria al barrizal. Por culpa de su explosivo carácter tuvo que huir a Roma por haber matado a un hombre. Murió solo, de malaria, después de pasar un breve tiempo en prisión, en este caso por un crimen que no había cometido.

Toma aspectos de su propia vida y los hace fuente de su arte. Se puede ver literalmente su vida en su arte. Su forma de vida rodeado de soldados, prostitutas, jugadores, gente difícil... son la fuente de su manera de pintar. Pinta a los discípulos de Cristo como si fueran gente normal o a María Magdalena como a una prostituta.

La vocación de San Mateo

Caravaggio. Beatrice Knopp.

Neumeier, John

Nacido en 1942 en Milwaukee (EE.UU), estudió danza en su país, en Dinamarca y en el Royal Ballet School en Londres, asimilando los diferentes estilos de cada una de las escuelas.

En 1963 fue descubierto por Marcia Haydée, quien le presentó a John Cranko e inmediatamente éste le incorporó al Ballet de Stuttgart, donde progresó hasta convertirse en bailarín solista. en 1969, Neumeier fue nombrado director del Ballet de Frankfurt, donde causó sensación con sus revisiones de ballets clásicos como El Cascanueces, Romeo y Julieta, Dafnis y Cloe. En 1973 fue nombrado director y coreógrafo del Ballet de Hamburgo.

Como coreógrafo, Neumeier ha destacado por renovar las obras clásicas dándoles un enfoque más dramático sobre una base de estilo neoclásico. Entre sus trabajos son notables La saga del rey Arturo, una serie de ballets inspirados en las obras de Shakespeare como El sueño de una noche de verano, Hamlet, Otelo, y Como gustéis y ballets basados en la literatura clásica y creados para la bailarina Marcia Haydée : La dama de las camelias, Un tranvía llamado deseo, Peer Gynt y La Odisea. Su fama le llevó a crear grandes obras para otras compañías como Sylvia, para el Ballet de l'Opera National de Paris, Getting closer para el American ballet Theatre, o Seasons (Los colores del tiempo) para el Ballet de Tokio.

Otra de las particularidades de John Neumeier son sus coreografías sobre grandes obras maestras de la música clásica como las sinfonías de Gustav Mahler, la Pasión según San Mateo de Bach, el Réquiem de Mozart, y El Mesías de Händel.

En febrero de 2006 creó la Fundación John Neumeier con el objetivo de reunir su colección de danza, ballet y los objetos relacionados con su vastísima obra. La Fundación va mantener y asegurar su trabajo de toda una vida.

Silvia Azzoni & Alexandre Riabko (Hamburg Ballet). "Third Symphony of Gustav Mahler". (2007).

Ballet de la Ópera de Viena. Kevin Haigen. "La leyenda de José". (1977).

La Dama de las Camelias

Marcelo Gomes & Diana Vishneva. ABT.

Ballet en tres actos, creado por John Neumeier con música de Frederic Chopin. Estrenado en 1978 por el Ballet de Hamburgo, del que era director y coreógrafo.

Argumento

Está basado en la novela de Alejandro Dumas hijo - "La dama de las camelias" (1848).

Armand y Marguerite se conocen en el teatro, en una representación de Manon en la que ambos se sienten fuertemente atraídos pese a la diferencia de edad y el estilo de vida que lleva cada uno. Marguerite es una mujer madura, famosa cortesana, mientras que Armand es un joven de buena familia. El no duda en declararle su amor.

Ante su sinceridad, Marguerite no puede negar que sus sentimientos son correspondidos y decide dejar de lado su vida anterior. Ambos se van a vivir al campo con la idea de que Marguerite se cure de la tisis que sufre y donde pueden vivir su amor con total tranquilidad.

En medio de esta tranquilidad aparece el padre de Armand y le pide a Marguerite que deje a su hijo, pues su reputación está mancillando la honra de la familia. La presión es tan fuerte y su amor tan puro que accede y abandona a su amado para volver a la ciudad, a su antigua vida, pero ahora con el corazón roto.

El joven queda desolado, y desconociendo la razón del abandono, actúa con despecho flirteando con otras chicas delante de Marguerite, que sufre abiertamente. Después de unas escenas de tensión en que los sentimientos salen a flor de piel, de nuevo su amor se impone y vuelven a estar juntos.

Pero su enfermedad se agrava y para que el no vea su deterioro, se encierra en su casa. Sólo reaparecerá una vez más, con ocasión de la función teatral de Manon.

Como espectadora, se siente tan identificada con el personaje femenino que acaban bailando un pas de trois en el que la pasión y la tragedia van de la mano y en el que la historia ficticia y la real terminan siendo la misma.

La separación ha desconcertado una vez mas a Armand, que no entenderá toda la verdad y los auténticos sentimientos de Marguerite, hasta que ya muerta, en la subasta de sus bienes, la criada le entregue su diario, sólo entonces sabrá cuánto sufrió por él.

La Muerte del Cisne

Ana Pavlova

Es una pieza de ballet coreografiada por Mikhail Fokine sobre la composición "El cisne" de "Carnaval de los animales" de Camille Saint-Saëns en 1866. Inspirada por un poema de Alfred Tennyson - "The Dying swan". En 1905, la famosa primaballerina Anna Pavlova fue invitada a participar en una gran función benéfica y pidió a su amigo Mikhail Fokine que le aconsejara una pieza musical para bailar. Trabajó con él en este número de danza que ilustra los últimos momentos de un cisne herido. La pieza de apenas pocos minutos de duración se convirtió en número favorito de grandes estrellas de la danza clásica : Maya Plitseskaya, Natalia Makarova, Alicia Markova, Margot Fonteyn, etc...

Michel Descombey, bailarín y coreógrafo francés, siendo director del Ballet Teatro del Espacio (compañía contemporánea mexicana) en 1982 montó para Tonio Torres "Muerte de un cisne". Representa la fragilidad del "ser" reflejada en un ave, la fuerza y belleza del cisne que va mostrando su debilidad mientras muere.