Mariinsky Ballet. Romeo y Julieta en streaming.

Hoy 1 de marzo, desde la página web del Mariinsky Ballet se retransmitirá en directo Romeo y Julieta, 19h (hora rusa) - 16h (hora española). Y también en el canal Mezzo. 

http://mariinsky.tv/n/

Romeo y Julieta inauguró ayer el XIII International Ballet Festival Mariinsky y dura hasta el 10 de marzo. Durante estos once días se verán en el Teatro Mariinsky : Don Quijote, Vertiginous, Thrill of Exactitude, N.N.N.N., In the middle somewhat elevated, Giselle, Joyas, El sueño de una noche de verano, La bayadere, El joven y la muerte, El lago de los cisnes, Taller creativo de jóvenes coreógrafos, Gala Internacional de las Estrellas.

Romeo y Julieta 

Coreografía de Leonid Lavrovsky. Estrenada el 11 de enero de 1940. 

Música de Prokofiev.

Ballet en tres actos y 13 escenas.
Elenco :

Julieta : Diana Vishneva

Romeo : Vladimir Shklyarov

Tebaldo : Ilya Kuznetsov

Mercutio : Alexander Sergeyev

http://terpsicoreballet.blogspot.com.es/2011/10/romeo-y-julieta_07.html

Diana Vishneva & Igor Kolb

Vladimir Shklyarov & Svetlana Zakharova

Adhonay Soares da Silva, ganador del Prix de Lausanne 2013.

Bailarín brasileño de 15 años, del Estado de Goiás. Alumno del Ballet Joven del Centro Cultural Gustav Ritter y de ballet clásico del Centro de Educação Profissional em Artes Basileu França (CEPABF) em Goiânia, ambas escuelas públicas. 

La escuela de danza del Centro Cultural Gustav Ritter se creó en 1989. El ingreso se realiza a través de pruebas de aptitud, niños de 6 a 11 años. Al ser pública busca la formación y el acceso de personas de bajos ingresos en el arte de la danza. 

En 1995, tras la visita de Jane Stanley, profesora de la Royal Academy of Dance de Londres, para evaluar la escuela, se adoptó el método Royal, basado en el método Vaganova. 

Adhonay fue ganador en la 29ª edición del Festival de Danza de Joinville en 2011, por lo que fue nominado para participar en el Youth American Grand Prix (YAGP) en Nueva York, donde consiguió la Medalla de Oro en 2012.

Elegido Mejor Bailarín en el Festival de Danza de Joinville 2012, el premio fue participar en la selección del Prix de Lausanne Sudamérica en Argentina. 

Esta selección se llevó a cabo entre el 30 de septiembre y el 5 de octubre de 2012 en el teatro del Lago  de Carlos Paz, Córdoba, Argentina. Los 46 bailarines participantes, provenientes de Argentina, Paraguay, Perú, Brasil, Colombia y México, realizaron una primera ronda con las variaciones clásicas y la segunda con las contemporáneas, de los que 12 pasaron a la Final, y en la Gala Final se dio a conocer los 3 que obtenían la beca para el Gran Prix de Lausanne 2013. En este caso los tres seleccionados fueron brasileños : Adhonay Soares Da Silva, Verónica Vasconcelos Da Silva y Bianca Gómez Vilarinho Teixeira. El premio consiste en viajar a Suiza con todos los gastos pagados. 

A estos tres se unieron a través de la selección oficial por vídeo : Luciana Abreu de Sousa (Brasil), Yuri Marques da Silva (Brasil) y Lucas Erni (Argentina). 

El Concurso Internacional para Jóvenes Bailarines Prix de Lausanne (41 edición) se ha celebrado entre el 29 de enero y el 3 de febrero. De los 82 participantes iniciales, 20 fueron seleccionados para la final. Los premiados fueron :

Adhonay Soares Da Silva - Mejor Bailarín y Premio del Público

Joel Woellner - Mejor Interpretación Contemporánea

Miko Fogarty - Mejor Candidato Suizo

Y las 8 becas fueron para : Adhonay Soares (Brasil), Joel Woellner (Australia), Li Wentao (China), Mayasa Yamamoto (Japón), Leticia Domingues (Brasil), César Corrales (Canadá), Francisco Sebastiao (Portugal), Zhang Jinhao (China). 

Variación clásica. "Harlequinade".

Según su profesora, Simone Malta, estaba indeciso entre las escuelas del Ballet de Stturgart  y del Royal Ballet, ambas se comprometieron a seguir con su formación cuando se acabe el año de la beca, ya que el curso son tres años en total. Al final se ha decidido por la John Cranko School de Stuttgart. 


Joel Woellner : Se ha decidido por el Houston Ballet
Francisco Sebastiao : San Francisco Ballet School
Li Wentao : Dutch National Ballet Junior Company
Cesar Corrales : San Francisco Ballet School
Zhang Jinhao : English National Ballet School

El Prix de Lausanne es un concurso internacional para bailarines de todas las nacionalidades, de 15 a 18 años que aún no son profesionales. Se diferencia de otros concursos en que los candidatos no sólo son evaluados según lo realizado en sólo una noche, o cuando presentan sus variaciones en el escenario, si no también durante las clases de clásico y contemporáneo a las que asisten durante los cuatro días previos a la final, lo que significa que la competencia se realiza durante una semana. 

Se evalúa el potencial de los candidatos como bailarines de ballet considerando : la habilidad artística, las aptitudes físicas, el coraje e individualidad, una respuesta imaginativa y sensible a la música, una comprensión clara en la forma de comunicar las diferentes dinámicas de movimiento y la facilidad técnica, control y coordinación. 

El objetivo del Prix de Lausanne es facilitar a los jóvenes ganadores un debut profesional proporcionándoles la oportunidad de mejorar sus habilidades en una de las más refinadas escuelas de danza durante un año sin gastos, o beneficiándolos con un año de estudios en una compañía profesional de danza internacional. 

El Prix de Lausanne contribuye en preservar la tradición del ballet clásico, mientras asegura la integración del mismo en un mundo que cambia constantemente. 

Desde 1973 el Prix de Lausanne ha premiado a muchos bailarines y ha permitido que otros tantos se beneficien de becas en excelentes escuelas de ballet. Un gran número de ellos ha alcanzado una carrera internacional como bailarines principales de las compañías más reconocidas del mundo, caso de Alesandra Ferri, Darcey Bussel, Viviana Durante, Julie Kent, Jose Martínez, Carlos Acosta, Marcelo Gomes, etc....

Nacho Duato. Danse la Danse, una lección de vida y danza.

El documental retrata las dos últimas semanas de Nacho Duato al frente de la CND, en su última gira por Rusia.

Alain Deymier se adentra en lo mas profundo de la compañía, entre bastidores asistimos a los preparativos y ensayos de la participación de la compañía en el Festival Internacional de Teatro Antón Chéjov, en el 150 aniversario de su nacimiento, con su espectáculo El jardín infinito, que se representó entre el 19 y el 23 de julio de 2010 en el teatro Mossovet, y entre el 26 y el 30 de julio en el Teatro Bolshoi con Multiplicidad: Formas de Silencio y Vacío, que clausuró el Festival y que sería la última actuación de Nacho Duato con la compañía. Una actuación que marcará el final de un ciclo pero el principio de una nueva vida.

Deymier define a Nacho Duato como "un ser extraordinario" y asegura que "tiene la enorme capacidad de ser amigo de sus bailarines en la vida privada pero, también, de ser un director muy exigente, algo que puede llegar a ser muy difícil". A pesar de ser altamente exigente, el director del documental asegura que Duato posee "un enorme sentido del humor" y que "es capaz de convertirlo todo en algo mágico, amable y agradable". (Ultima Hora. Laura Tur. 10/06/2011).

Según el propio Nacho Duato: "El documental no es solamente el hecho de que dejo la compañía, se centra mucho en lo que es la vida de una compañía. (...). El documental es muy interesante desde el punto de vista didáctico, de lo que es una compañía, un bailarín...Con sus clases, sus miedos, sus ensayos... Todo lo que conlleva una vida de compañía día a día".

"Esos dos últimos meses, si no hubiesen estado en vídeo, se habrían perdido en la memoria, o en las fotos de algún móvil o en la columna de algún periódico"

Ya está a la venta en tiendas la EDICIÓN ESPECIAL, 2 discos en DVD y online. 

http://39escalones.es/?product=nacho-duato-danse-la-danse - Tienda online

También en Amazon, dvdgo.com, elcorteingles.es, fnac, ...

DVD 1 : PELÍCULA, RUEDA DE PRENSA, TRAILERS DEL FILM. Con subtítulos opcionales en inglés y francés. 

DVD 2 : COREOGRAFÍAS COMPLETAS DE NACHO DUATO Y MATERIAL ADICIONAL :

• Multiplicidad, formas de silencio y vacío (92 minutos)
• Jardín infinito (64 minutos)
• Domina nostra (7 minutos)
• Slowmotion I
• Slowmotion II
• 16 mm
• Secuencia eliminada
• Mediometraje "Las telas rojas" de Alain Deymier

Director : Alain Deymier
Fotografía : Pol Orpinell
Sonido : David Paco
Montaje : Ninon Liotet
Música adicional : Elysean Fields
Con la colaboración de Nacho Duato y la CND
España / Francia. 71 minutos. 

Desde el 24 de mayo se puede ver en las plataformas de VOD : Filmin, Nubeox

http://www.filmin.es/pelicula/nacho-duato-danse-la-danse
http://www.nubeox.com/pelicula/nacho-duato-danse-la-danse/2113395
http://www.plus.es/programacion/danse-la-nacho-duato/E1094878/

Disponible en todos los países, con subtítulos en inglés y francés, en la plataforma VOD - Filmotech.

http://www.filmotech.com/V2/ES/FX_FICHAPELICULA.ASP?ID=10014&Directo=1

Fragmento de "Jardín infinito"

"La gente sabe que mi principal fuente de inspiración es la música, y que siempre he pensado que la danza no existe sin aquella. Aunque sea con dos piedras marcando un ritmo para poder bailar. La música es un modo de expresión más perfecto y avanzado que la danza".

http://www.elmundo.es/elmundo/2013/02/14/cultura/1360799214.html

"A mí me hubiera gustado ser un príncipe en escena, ser Albrecht, ser un bailarín clásico, pero en la España dictatorial eso era imposible y tuve que empezar a bailar demasiado tarde, a los 17 o 18 años y ya se sabe que en ballet clásico hay que empezar más temprano. La suerte es que yo tenía un cuerpo dotado para bailar y me enganché al contemporáneo".

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/02/13/actualidad/1360784470_459918.html

"Yo hago coreografías porque quiero expresarle a la gente mi modo de ver la vida, de cómo es el ser humano, cómo vivo el amor. Como mejor me expreso es con el movimiento, por eso soy coreógrafo".

http://blogs.antena3.com/a-mi-manera/nacho-duato-vuelve-casade-visita_2013021400109.html

http://revistatarantula.com/nacho-duato-danse-la-danse-2012-de-alain-deymier/

http://danseladanse.com/ 

http://www.facebook.com/danse.ladanse?fref=ts

https://twitter.com/danseladanse

CND Clásica. Gala Extraordinaria en el Teatro Real.

Compañía Nacional de Danza Clásica. Teatro Real. 14 de marzo. 

La CND Clásica hará su puesta de largo oficial en en el escenario del Teatro Real el 14 de marzo con un programa compuesto por cinco piezas : Tres Preludios, Holberg Suite, El cisne blanco, Who cares? y Sonatas. 

La gala contará con la participación de los artistas invitados Lucía Lacarra y Marlon Dino (Bailarines principales del Ballet de la Ópera de Múnich), así como la pianista Rosa Torres-Pardo, ganadora de la medalla Isaac Albéniz. 

El elenco de la CND está formado por los bailarines, que por su formación, pueden abordar un repertorio basado esencialmente en el vocabulario académico. El número inicial gira en torno a los dieciocho, todos ellos con gran experiencia en formaciones como el Ballet de San Francisco, Ballet de Berlín, La Scala de Milán o el Ballet de Zurich, entre otros.

http://terpsicoreballet.blogspot.com.es/2013/01/compania-nacional-de-danza-en.html - Tres preludios, Holberg Suite y Sonatas.

http://terpsicoreballet.blogspot.com.es/2012/11/who-cares.html - Who cares?

El Cisne Blanco. Paso a dos del II acto de "El Lago de los Cisnes".

Coreografía de Ray Barra (después de Ivanov-Petipa). 

Música : Piotr Illich Tchaikovsky. 

Figurines : John MacFarlane. 

La revisión coreográfica del tradicional Lago de los Cisnes por Ray Barra fue estrenada en 1995 en el centenario de su creación por el Ballet Estatal de Baviera (Bayerisches Staatsballett), anteriormente llamado Ballet de la Ópera de Munich, en 1990 cambió el nombre. 

Ray Barra propone un Lago de los cisnes ligeramente distinto, ofrece un cambio en el papel del príncipe, que vive en un mundo de sueños en el que se encuentra perdido. Recupera la historia de Odette, una princesa hechizada por el brujo Rothbart y encerrada como cisne blanco en un lago del que solo la salvará el amor verdadero. El príncipe Sigfrido dará paso a la transformación del cisne blanco, frágil y lírico, en el cisne negro. 

Lucia Lacarra & Ciryl Pierre. Cisne Blanco. 2005.

Lucia Lacarra & Marlon Dino. 

Ray Barra. San Francisco, 1930. De padres españoles. Comienza a estudiar danza en San Francisco y Nueva York. Tras figurar como bailarín solista de prestigiosas compañías, ingresa en la formación que posiblemente mas haya marcado su trayectoria profesional - el Stuttgart Ballet - dirigido por John Cranko, quien creó papeles especialmente para él, compartió escenario y protagonismo con Marcia Haydee o Carla Fracci. En 1962 Cranko creó para él y Marcia Haydee Romeo y Julieta y en 1965 Onegin, ahora convertidos en clásicos. 

En esta compañía comenzó su carrera de coreógrafo. Su primera obra "Rossini Sonatas" data de 1965. Alborada (1982) fue su primer ballet completo. 

A mediados de los 80 se traslada a España y conoce a María de Ávila, entonces directora de las dos compañías nacionales de danza, quien le ofrece colaborar con el Ballet Nacional Clásico. Surge así el montaje "Poema divino". Fue director del Ballet del Teatro Lírico Nacional y director estable de la misma formación, durante la dirección artística de Maya Plitseskaya, desde 1987-1990, para el que creó "Cain y Abel", "Nocturno", "La espera". En esa época también era director de la Escuela Nacional de Danza de Grecia y seguía trabajando con frecuencia en Alemania. De 1994 a 1996 dirigió la Deutsche Oper Berlin. Y aunque fijó su residencia en Marbella ha seguido viajando, coreografiando e impartiendo clases por todo el mundo.
Algunas de sus últimas creaciones son "The Snow Queen" con música de Glazunov para la Deutsche Oper Berlin en 1995 y una versión revisada en 2004 para el Ballet Nacional de Grecia; "Canto General" sobre poemas de Pablo Neruda y música de Mikis Theodorakis, también para el Ballet Nacional de Grecia. En 2009 hizo una versión reducida de "Don Quijote" para la Academia de Danza de Munich. Para el Ballet de la Ópera de Múnich ha creado "Don Quijote" en 1991, "El Lago de los Cisnes" em 1995 y Raymonda en 2001. 

Marlon Dino. Albania. Estudió danza en la Escuela de Coreografía y Ballet de Tirana. En 1998 se incorpora al Genève Dance Center bajo la dirección de David Allen. En 2001 bailó para el Ballet de la Ópera de Viena. En 2002 entró a formar parte del cuerpo de baile del Ballet de la Ópera de Munich. Fue promovido a Solista en 2005 y a bailarín Principal en la temporada 2009/10. Su repertorio es tanto clásico como contemporáneo.

Lucía Lacarra. San Sebastián. Empezó sus estudios en su pueblo, Zumaia. A los 13 años fue enviada a San Sebastián a la Academia de Mentxu Medel y al año siguiente se marchó a Madrid y entró en la escuela de Víctor Ullate. A los 15 años consigue su primer contrato con la Compañía de Víctor Ullate.

En 1994 se unió al Ballet Nacional de Marsella dirigido por Roland Petit, quien creó para ella los ballets "Bolero", "El Gatopardo", "Et la Lune" y "Mere Mediterranee", además de interpretar las obras de su repertorio.

En 1997, en su busqueda del clasicismo decide unirse al San Francisco Ballet, donde podía bailar Giselle, El Lago de los cisnes, La Bella Durmiente. Además bailó obras del repertorio neoclásico y contemporáneo (Balanchine, Hans van Manen, Nacho Duato, ...).

En 2002 se trasladá a Munich, donde actualmente es la bailarina estelar del Ballet Estatal de Viena (Ballet de la Ópera de Munich). En sus primeros tres meses baila Raymonda, Tajtana y Odette/Odile. Junto con el Bailarín Principal Ciryl Pierre recorren como estrellas invitadas los grandes teatros del mundo.

En 2005 es galardonada con el Premio Nacional de Danza. Anteriormente había recibido el Premio Nijinsky (2002) y el Benois de la Danse (2003), entre otros muchos galardones.

http://www.casadeladanza.com/revista/revista_num_11.pdf

Críticas : 

http://www.danzahoy.com/home/2013/03/subidos-a-las-puntas/ - Subidos a las puntas.

http://www.elimparcial.es/gran-noche-de-danza-clasica-en-el-teatro-real-120113.html - Gran noche de danza clásica en el Teatro Real.

http://www.larazon.es/detalle_lateral/noticias/1492448/cultura+finde/la-cnd-todavia-no-es-clasica#.UUPW1xevHng - La CND todavía no es clásica

Cursos de Danza. VIII Jornadas Internacionales de Danza en Menorca

Alba Estudi de Dansa de Maó (Menorca) convoca las VIII Jornadas Internacionales de danza contemporánea en Menorca para los días de vacaciones de Semana Santa (28 al 31 de marzo) abiertas a estudiantes y bailarines de la Isla y fuera de ella. 

A los profesores vinculados, invitados a este proyecto desde sus inicios, de la talla de Enric Castan (ballet clásico) y Jordi Ros (danza contemporánea), se incorpora la profesora y bailarina de Hip-Hop Bea Verges, para las clases de esta modalidad; y destaca la presencia de dos bailarines de la Compañía Nacional de Danza (CND), Allan Falieri (danza contemporánea) y Sara Fernández (danza neoclásica). 

Allan Falieri (Río de Janeiro). Se graduó en danza en el Centro de Dança de Río de Janeiro. En 1998 ingresó en el Béjart Ballet Lausanne, cuatro años mas tarde entró a formar parte del Ballet Gulbenkian. En 2006 se incorpora al Nederlands Dans Theatre, en el que permanece hasta 2009. En Septiembre de 2010 ingresa en la CND. 

Durante todos estos años ha trabajado con coreógrafos como Jirí Kylián, Maurice Béjart, Mats Ek, Ohad Naharin, Crystal Pite, Wayne McGregor, Agelin Preljocaj, Johan Inger...

Sara Fernández (Almería, España). Hizo sus estudios en el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid. En 2006 obtiene el 1º y 3º Premio en el Maratón de Danza de Madrid con las coreografías ¿Por qué no? de Angel Blanco y Alrededor no hay nada de Goyo Montero. Ese año también trabaja en Europa Danse, realizando giras por Europa bailando obras de Nacho Duato, Jirí Kylián, Alicia Alonso y Thierry Malandain.

En enero de 2007 se incorpora a la CND2 y en septiembre de 2010 ingresa en la CND. 

Las clases, de 09.30 a 20.30h, organizadas en cinco cursos, se van a desarrollar en el Alba Estudi y en el Teatro del Orfeó Maonès. El escenario acogerá las sesiones de Falieri y Fernández, ""ofreceremos unas sesiones abiertas al público en fin de semana para dar la posibilidad, a quién le guste la danza, de asistir a una clase impartida por estos profesionales"". 

http://www.albaestudidedansa.com/eventos/previstos/53-viii-jornadas-internacionales-de-danza.html

Compañía Nacional de Danza en Alcobendas

ALCOBENDAS. 23 Febrero. Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas. 

La CND presenta un programa con cuatro piezas. Es un programa ecléctico que reúne piezas de estilos y orígenes muy distintos. Al fin de abrir puertas a un público mas amplio, que quiere disfrutar también del repertorio canónico, la CND está evolucionando hacia la concepción de espectáculos mixtos, en los que se combinan los lenguajes clásico y contemporáneo. 

"El espectáculo, que combinó clasicismo y vanguardia, arrancó fuertes aplausos y muchos bravos por su interpretación y su puesta en escena. Los bailarines reafirmaron sus grandes cualidades artísticas para con la danza y para superar cualquier reto coreógrafico. Su ejecución fue nítida, elegante, rigurosa, brillante". (Diari de Terrasa. La Compañía Nacional de Danza recibe las ovaciones del público. Mercé Boladeras. 18/12/2012). 

Holberg Suite

Coreografía de Tony Fabré.

Música de Edvard Grieg (Holberg Suite). Compositor noruego (1843-1907).

Estrenada por la CND 2 en el Teatro Albéniz el 25 de mayo de 2000. 

Coreografía para cuatro mujeres y cuatro hombres. 

Se trata de un montaje abstracto, sin hilo argumental, en el que las sensaciones mueven el cuerpo y lo sintonizan enérgicamente con la melodía. (1/07/2004. EFE).

El punto fuerte de la obra son sus duetos vibrantes (NYTimes. 14/07/2004).

Una obra equilibrada en cuanto al juego de simetría y asimetría, con momentos para solistas, dúos y conjunto, diferentes niveles de lectura, líneas de gestualidad enlazadas como las de Duato, simplicidad y complejidad... todo perfecto, bello y muy musical. (ABC. 11/07/2004. Pablo Melendez-Haddad). 

Elegancia y efectividad expresiva en la ejecución de Holberg Suite. (Núvol. 18/12/2012. Teresa Irribarren). 

Descamino de dos

Coreografía de Mattia Russo y Diego Tortelli.

Música de Clif Martínez.

Estrenada en julio de 2012 en el Certamen Internacional de Coreografía de Burgos-New York 2012 y por la CND en el Mercat de Les Flors (Barcelona) el 27 de octubre de 2012. 

Algunas veces no nos percatamos de la suerte que tenemos por todo lo que la vida nos ofrece. Hay personas a las que, con una simple mirada, comprendes, y entiendes el amor que por ti sienten, que están dispuestas a hacerlo todo por ti y que nunca te dejarán solo. Hay distancias, hay incomprensiones, pero lo que hay no se acaba y supera cualquier obstáculo que se le ponga delante.

Hay personas a las que perdonarías hasta el peor fallo, porque sin ellas tu vida no tendría sentido, porque caminar con ellos a tu lado, de la mano, es la mejor sensación que hay en el mundo, porque así nunca te vas a sentir solo.

Extraordinaria creación de inspiración urbana de los coreógrafos italianos Mattia Russo y Diego Tortelli.... Alucinante pieza de rabiosa contemporaneidad. (Núvol. 18/12/2012. Teresa Irribarren).

Tres Preludios

Coreografía de Ben Stevenson.

Música de Sergei Rachmaninov (Prelude in B minor, Opus 32, Prelude in F sharp minor, Opus 23, Prelude in A major, Opus 32)

Estreno absoluto por la CND el 15 de diciembre en Terrasa.

Ben Stevenson. (Portsmouth, Inglaterra. 4 abril 1936). Ex bailarín del Royal Ballet y el Ballet Nacional Inglés, co-director del Ballet Nacional de Washington (1971-74), director artístico del Ballet de Chicago (1974-75), Director artístico del Ballet de Houston (1976-2003) y director artístico del Ballet de Texas (desde 2003).

Tres Preludios fue galardonado con la Medalla de Oro de coreografía en el Concurso Internacional de Ballet de Varna (Bulgaria) en 1972. Está en el repertorio de muchas compañías a lo largo del mundo : American Ballet Theatre, Ballet de la Ópera de París, Ballet de La Scala de Milán, etc...

Sutil y romántico paso a dos. Se centra en los personajes de dos bailarines  que se enamoran mientras trabajan en un estudio de danza. Los tres movimientos despliegan gran velocidad e intensidad en paralelo a la pasión que crece entre los bailarines.

Seh Yun Kim y Joel Toledo

Sonatas. 

Coreografía de José Carlos Martínez

Música : Padre Antonio Soler (Sonatas nº 45 y 118) y Domenico Scarlatti (Sonatas nº 39,159, 208, 286).

Estreno mundial el 15 de diciembre en Terrasa.

La inspiración de Martínez a la hora de crear esta pieza parte de un profundo estudio previo de las partituras de Scarlatti y Soler. Como en una sonata, las frases coreográficas se transforman, se repiten y evolucionan al ritmo de la estructura musical. "Sonatas" se inspira en el paso a dos de Scarlatti incluido en la obra "Les enfants du Paradis", que él mismo creó para el Ballet de la Ópera de París. 

De matriz eminentemente clasicista, y con una concepción coreográfica coral, en la que los catorce bailarines mantienen una equidad interpretativa, la obra escenifica a la perfección este retour à la orden que se erige como nuevo bastión de la compañía. La sobriedad escénica, las líneas y figuras dentro del más puro academicismo y la cálida complicidad entre el cuerpo de intérpretes y el pianista José Luis Franco conforman un bello espectáculo. (Núvol. 18/12/2012. Teresa Irribarren).

Las Sílfides (Chopiniana)

Ballet en un acto. Coreografía de M. Fokine y música de Chopin, orquestada por Glazunov. Estrenado en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo el 23 de febrero de 1907, con el nombre de Rêverie Romantique : Ballet sur le musique de Chopin o Chopiniana, junto con el ballet Eunice, basado en la obra Quo Vadis? de Sienkiewicz. Esta primera versión fue un ejercicio de taller para los alumnos de la Escuela Imperial de Ballet de San Petersburgo (actual Vaganova). 

Aproximadamente un año después, el 21 de marzo de 1908, en una gala benéfica, Fokine presentó una segunda versión de Chopiniana, con sustanciales cambios. 

Originalmente se tituló Chopiniana, porque estaba inspirado en cinco fragmentos para piano de Chopin : una polca, un nocturno, una mazurca, un vals y una tarantela. Se trataba de una serie de escenas dramáticas y de carácter. La Polonesa de apertura estaba interpretada por numerosas parejas que vestían trajes polacos, y el escenario era un salón de baile. En el siguiente fragmento, nocturno, se mostraba a Chopin al piano que intentaba componer entre las ruinas del monasterio de Valldemossa torturado por la visión de los monjes muertos, pero liberado finalmente de sus obsesiones por la musa, que le inspiraba y consolaba. Seguía la mazurca, donde se escenificaba una aburrida fiesta de bodas, interrumpida por el verdadero enamorado de la muchacha, que huía con él. A continuación tenía lugar el vals, que era un pas de deux en el que la bailarina vestía el tradicional tutú. La tarantela final creaba una animada escena napolitana en la atmósfera real del Vesubio. 

En la segunda versión, también estrenada en el Teatro Mariinsky, con intérpretes de la talla de Preobrajenska, Karsavina, Pavlova y Nijinsky, se incorporaron nuevos fragmentos musicales de Chopin orquestados por Maurice Keller. En esta versión se eliminaron algunas sutiles tramas y todas las danzas de carácter, recogiendo el espíritu de la coreografía del número basado en el Vals en Do sostenido menor. Todas el grupo de bailarinas, vestidas igual, con el largo tutú blanco, bailaban las diferentes piezas con un solo bailarín masculino (Nijinsky). 

La última versión y definitiva de Fokine se produjo en el contexto de la primera temporada en París de los Ballets Rusos de Diaghilev. El 2 de junio de 1909 se estrenó en el Châtelet rebautizado con el nombre de Las Sílfides, como homenaje a Filippo Taglioni y a su obra La Sílfide, el primero de los grandes ballets románticos. En esta versión, Benois fue el encargado de la escenografía y del vestuario, y para éste acudió a las viejas litografías de Chalon, Brandard y Bouvier, inspirándose en los trajes diseñados por Eugène Lami para Marie Taglioni en La Sílfide y para Carlotta Grisi en Giselle. Y concibió un escenario típicamente romántico, una iglesia ruinosa en un claro del bosque iluminada por la luna. Sus principales intérpretes fueron de nuevo Pavlova, Karsavina y Nijinsky, acompañados esta vez por Baldina. Las piezas fueron orquestadas por Liadov, Glazunov, Taneiev, Sokolov y Stravinsky. 

Litografía de John Brandard. Carlota Grissi como Giselle. 

Es un ballet que carece de argumento, una serie de cuadros coreográficos para un cuerpo de baile y cuatro solistas. En el que el cuerpo de baile no es un mero adorno, goza de una constante presencia a lo largo de la obra, incluso durante las pausas entre los números musicales, con silenciosos movimientos de reagrupamiento que propician la continuidad. Fue el primero que se atrevió a no ser nada mas que danza. Pero a pesar de no tener argumento, mantiene coherencia y unidad escénica a través de las románticas melodías que conducen inevitablemente hacia el baile y la exquisita coreografía.

Frente a la artificiosidad y fastuosidad de los ballets imperiales de Petipa, él creó una obra intimista, despojada de todo adorno, donde las emociones se expresan mediante el movimiento en perfecta armonía con la música. 

Mariinsky (Kirov) Ballet. Teatro Real de Madrid. 1999. Irina Jelonkina, Maya Dumchenko, Daria Pavlenko & Evgeni Ivanchenko.

Mikhail Barishnikov.